Explicação gerais sobre os 4 As para criar roteiros para vídeos

Apesar de bastante simples, esta estrutura tem me ajudado a criar roteiro mais objetivos e organizados.
Por este motivo, acredito que ela também possa te ajudar muito na hora de criar seu primeiro vídeo.

Vamos dividir este processo criativo em 4 etapas, sendo que cada uma das etapas tem um propósito explícito.
Para facilitar a memorização deste processo, cada etapa descrita aqui vai começar com a letra A.
Assim, é muito mais provável que você consiga se lembrar deste esquema sempre que precisar dele.

Explicação específicas sobre os 4 As para criar roteiros para vídeos

O primeiro A da nossa estrutura é o da Atenção.
Aqui na internet, conseguir a atenção das pessoas é o grande trunfo e você não pode vacilar nesta hora.
Por isto, traga algum enfoque diferente ou uma informação curiosa pra as pessoas pararem e pensarem: “Eu quero assistir esse vídeo.”
Pode ser uma história sua ou algum filme conhecido. O importante aqui é ter um gancho que desperte o interesse das pessoas.

O segundo A é o da Agitação, você precisa criar uma situação que crie uma conexão com quem te assiste, seja por meio de um problema ou de um benefício, por exemplo.
Mexer com as emoções das sua audiência, portanto, pode ser um bom ponto nesta hora.

O terceiro A é o da Atividade, isto é, você vai mostrar como resolver aquele problema que você comentou ou falar mais do benefício que a pessoa vai atingir com a informação que você trouxe.
Traga informações que comprovem a eficácia daquilo que você diz.

Por fim, o quarto A é a ação, que é aquele momento em que a pessoa precisa agir: seja comprando algum produto, curtindo o seu vídeo, comentando.
O objetivo da sua criação pode ser muito diferente desses três que eu apontei, mas é necessário que você estimule as pessoas a fazerem isso falando para elas o que fazer neste momento.

Por fim, é importante lembrar que escrever roteiros é uma das etapas fundamentais para a criação de um bom conteúdo.
Para conhecer mais sobre como criar vídeos, acesse este artigo.

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Primeira palavra: Plot

Plot significa núcleo da ação de um filme ou série. Ou seja, é a parte mais importante da história contada.
Para não confundir plot e história, vamos a uma definição simples: enquanto o plot traz informações de como e por que alguma coisa acontece, a história diz o que acontece.

Se você quer saber o plot de um filme basta pensar: na personagem principal, no desejo dessa personagem e no conflito do filme.

Parenthetical: segundo ponto dos conceitos de roteiro de cinema

Traduzido do inglês, parenthetical é o mesmo que parênteses.
Em um roteiro cinematográfico, esse conceito trata das emoções e das ações que acompanham as falas de uma personagem. São importantes como referências, nuances e para a construção da cena.
Para identificar esse conceito em um roteiro cinematográfico é muito simples: basta procurar por indicações abaixo do nome de uma personagem.

Terceiro conceito: entendendo a Diegese

Diegese é uma palavra fundamental para entender roteiros de cinema e significa o mesmo que o universo ficcional de uma obra, com regras e leis próprias que a regem.

Segundo a Wikipédia, “trata-se de um conceito de narratologia, estudos literários, dramatúrgicos e de cinema que versa sobre a dimensão ficcional da narrativa. A diegese é a realidade própria da narrativa, também conhecida como mundo ficcional ou vida fícticia.”

Por último, mas não menos importante: Bíblia

No universo dos conceitos de roteiro de cinema, Bíblia é um projeto que conta todos os detalhes da produção audiovisual. Sua função é ajudar a imaginar o universo da narrativa, os arcos das temporadas e todas as premissas da produção em si.

Apesar do trabalho que dá escrever uma bíblia, o lado bom desse documento é que tanto as pessoas que irão investir na produção quanto a equipe ficam por dentro dos detalhes e principais pontos de atenção.

Se você gostou das dicas, não deixe de conhecer o Instagram da Margô Filmes (@margofilmes) . Esperamos você por lá!

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11 dicas para criar uma cena, segundo John August

Abaixo, você confere um pequeno checklist para aprimorar a sua escrita. Responda com sinceridade todas as perguntas e se surpreenda com o resultado prático desse modelo no seu processo de criação:

1. O que você precisa que aconteça nessa cena?
2. O que aconteceria de pior se ela fosse retirada do roteiro ou das gravações?
3. Quem precisa estar nela?
4. Onde ela se passa?
5. O que de mais surpreendente acontece nela?
6. Essa é uma cena curta ou longa?
7. Faça um brainstorm que contemple 3 formas diferentes de iniciá-la.
8. Execute-a na sua cabeça.
9. Faça um rascunho.
10. Escreva-a toda.
11. Repita isso 200 vezes.

Por fim, acrescento mais um passo: se você está escrevendo um roteiro, não pense em apresentar seu texto logo de cara a terceiros sem uma boa revisão de cada cenas.
Antecipar essa etapa vai jogar parte do seu esforço fora e te deixar mais ansiosa em relação às críticas. Aquele famoso “será que essa é uma boa história a ser contada e estou fazendo isso direito?”

Lembre-se sempre da máxima: um bom roteiro é feito com tempo, dedicação e muita revisão.
Por isso, atenha-se ao que é importante. Retire tudo o que for desnecessário e chame a atenção para as grandes viradas da sua história. (Para conferir mais assuntos sobre roteiros, acesse aqui)

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Ficha de personagem é coisa apenas de RPG? Claro que não. No cinema, este documento cheio de atributos e dados de personalidade é um prato cheio para quem deseja criar personagens complexas e envolventes.

Se você nunca utilizou essa ferramenta, saiba que esta dica pode ser excelente para sua produção audiovisual.

Por que usar a ficha de personagem para cinema?

A gente sabe que tempo de ensaio é um fator decisivo para as produções audiovisuais. Como ele é normalmente menor no cinema e na TV do que em uma produção teatral, ter uma ficha de personagem pode ser um bom ponto de partida para a agilidade da sua pré-produção.

Se o roteiro é o documento mais importante de todos, a ficha de personagem é um bom anexo. Afinal, ela deve ter todas as informações relevantes da história sem prejudicar o ritmo do roteiro cinematográfico.

Então, encare a ficha de personagem como uma ferramenta para melhorar ideias. Isso porque ela sempre vai nos ajudar a criar muitos caminhos para interpretação e para entendermos como funciona a narrativa. (Fizemos um artigo sobre teste de elenco que pode te ajudar. Para saber mais, acesse aqui)

Logo abaixo, você confere os principais tópicos para entender, em poucos minutos, como as fichas funcionam e porquê confiar nelas.

Pontos importantes de uma ficha de personagem

Um dos melhores exemplos de ficha de personagem é inspirado no modelo apresentado por Walter Lima Jr., diretor do longa Através da Sombra (2016). Ele estrutura a ficha de personagem da seguinte forma:

Aspectos físicos: Idade, estado de saúde, cor de olhos e cabelos, peso, pele, voz, cacoetes e características específicas.

Dados sociais: Nome, região onde mora, pessoa religiosa ou não, profissão, classe econômica e ideário (o conjunto de ideias políticas e sociais sobre o mundo).

Aspectos psicológicos: Qualidades, defeitos e medos. Também podem ser descritas ambições, manias e fugas, bem como os sentimentos em relação aos demais personagens da narrativa.

Biografia: Rápida descrição do histórico da personagem, contando episódios importantes de sua vida.

Esse modelo não é rígido. Você pode mudar sua ficha da forma que quiser.
Inclusive, colocando ou retirando alguns campos.

Sugestões de uso da ficha de personagem

Normalmente, existem dois modos distintos de trabalhar com uma ficha:

No primeiro, você retira as informações do próprio roteiro cinematográfico.
No segundo, você entrega uma folha em branco para que o elenco complete de acordo com as suas percepções e estudos do roteiro e de outros materiais.

Em ambos os casos, o jeito correto de trabalhar será sempre aquele que produzir os melhores resultados. Por isso, não pense que a ficha irá resolver todos os seus problemas. Ela é uma ferramenta útil, mas não elimina as etapas importantes de criação de um filme.

Na verdade, o uso mais indicado é testar boas ideias e identificar quais estratégias funcionam melhor para o seu processo. Lembre-se sempre que cinema é uma arte complexa e de bastante diálogo.

Boas gravações!

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Prequel: o começo da saga

A escolha da prequel (ou prequela) como o primeiro termo a ser explicado não foi aleatória. Afinal, esse recurso revela o passado ou histórias anteriores a outra narrativa já conhecida.
Um dos clássicos exemplos para entender a prequel são os filmes “Hobbit”, prequel de “O Senhor dos Anéis”. Nesses filmes, acompanhamos as aventuras de Bilbo Bolseiro na Terra Média. (Para conhecer mais curiosidades sobre roteiros, acesse esse texto aqui)

Spin-off: derivação à vista

“Better Call Saul” é o exemplo perfeito dessa que é uma forma de expandir o universo narrativo de uma grande história. No caso, a aclamada “Breaking Bad”.
O advogado Saul Goodman, que também aparece na série de Walter White, fez tanto sucesso com o público que decidiram contar o passado dessa personagem cativante.
Outro exemplo para ilustrar esse conceito é “Animais Fantásticos e Onde Habitam” que narra as aventuras de Newt Scamander décadas antes da saga do bruxo mais famoso do mundo: o menino que sobreviveu, “Harry Potter”.

Remake: elogio ou superação?

Você já viu o “Psicose” de Hitchcock (1960)? E o remake feito pelo cineasta Gus Van Sant (1998)?
O remake pode ser entendido como uma nova leitura de um filme, dando pitadas de originalidade em um roteiro já conhecido da audiência. Há quem goste de seguir à risca os enquadramentos e falas das personagens, mas há também quem prefira estabelecer conexões de outras formas. Isso é, manter a essência, porém com o roteiro mais livre.

Reboot: reiniciando a estrutura…

Falar de remake e não lembrar de reboot é quase impossível. Reboots são recomeços. Se você já assistiu alguns filmes do “Homem Aranha”, deve saber muito bem do que estamos falando. Só que, diferente do remake, o reboot não presta uma homenagem. Pelo contrário, ele desconsidera a continuidade de uma obra e a substitui por um novo cânone.

Sequel: o transcorrer das coisas

Quando a história se passa 10, 20, 300 anos depois do acontecimento principal de outro filme já feito, o nome que damos a esse trabalho é sequel. Essa produção nada mais é do que a sequência de um trabalho realizado e que conta as consequências do presente/futuro a partir dos fatos de um passado conhecido da espectadora.

E a adaptação?

Por fim, adaptação é um processo bem diferente de tudo o que pontuamos acima.
Nesse caso, são linguagens diferentes de uma mesma história, ou seja, uma obra é baseada de outra, mas são suportes distintos. Livro e filme são os eternos exemplos desse conceito. Quem nunca ouviu que determinada pessoa gostou mais do livro do que do filme?

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“(…) Em um filme de ação, um set piece pode ser uma perseguição de helicóptero entre arranha-céus. Em um musical, ele pode ser um número de dança com patins. Numa comédia de premissa sucinta, um set piece pode focalizar em um herói claustrofóbico em um ônibus cada vez mais lotado, até que esse personagem não aguente mais. Bem executado, set pieces são momentos em que você se lembrará semanas depois de assistir a um filme ” (tradução livre)

Como usar o set piece no meu filme?

Em primeiro lugar, set pieces não são exclusivos de um gênero ou estilo e muito menos estão restritos a grandes produções com efeitos especiais caros. De tal forma que o que vai determinar o seu sucesso em uma realização desse tipo é: planejamento e logística. Ambos são vitais para o sucesso de qualquer filme e são um assunto recorrente aqui na Margô. (para entender mais sobre o assunto, acesse aqui)

Do mesmo modo, pense em onde você deve encaixar essa ferramenta. Existem três momentos muito importantes para o seu vídeo: os momentos de resolução, os instantes de transição ou ainda as cenas que compõem a conclusão dramática.
Além disso, é sempre bom organizar um storyboard para que todo mundo visualize o que será feito. Com um desses em mãos as suas chances de encontrar um denominador comum entre você e a equipe (ou o cliente) pode ser gigante.

Por fim, outro cuidado essencial é com o ritmo. Assim sendo, pense nas cenas anteriores e seguintes de modo a compensar tensão e alívio de uma maneira inteligente. Como produtoras de conteúdo, devemos dar tempo para que as pessoas assimilem o que está sendo contado nas telas.

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Fazer uma escaleta de cinema pela primeira vez não é uma tarefa fácil.
Ainda mais quando você está escrevendo seus primeiros roteiros e precisa formatar rapidamente a sua história para editais ou processos seletivos.
No entanto, quando você começa a fazer a sua escaleta, ou seja, uma breve descrição da narrativa, você vai perceber que muita coisa funciona super bem e que outras não fazem sentido para contar a sua história.
Neste artigo, vamos te ensinar o conceito da escaleta de cinema e também te explicar a funcionalidade deste recurso para seus filmes e séries.
Se no fim do texto você ainda tiver alguma dúvida, deixe sua pergunta nos comentários que vamos responder em instantes.

O que é uma escaleta no cinema?

A escaleta é uma ferramenta para revelar a progressão da narrativa e identificar o que acontece na história cena a cena.
Na indústria do audiovisual, existem muitas formas de se construir uma escaleta, mas a mais indicada para os iniciantes é feita com descrições curtas e objetivas das ações principais da cena acompanhada por um cabeçalho simples.
Tudo isso escrito em blocos de papel ou post-it colocados em sequência para facilitar o entendimento do que está acontecendo em cada momento.

Normalmente, a escaleta costuma vir depois do argumento pronto.
Porém, nem sempre isso acontece.
Às vezes, os processos se misturam porque já temos uma ideia do que queremos e adiantamos as etapas seguintes para registrar os pensamentos do processo.
Essencial para algumas pessoas, a escaleta não é obrigatória para a criação de um bom roteiro.
Por isso, faça somente se achar que vai te ajudar a entender os caminhos que a sua história está tomando e também para adaptar os momentos que você acha não estão funcionando tão bem.

Qual é a utilidade da escaleta no cinema?

Já sabemos que a escaleta é uma espécie de construção da estrutura de uma história.
Por esse motivo, a sua principal função é ajudar na visualização das cenas da narrativa.
O modelo mais simples e também o mais indicado é chamado de Index Card.
Conhecidos como Cartões de Índice, em uma tradução do inglês para o português, eles são pequenos cartões com um cabeçalho simples e uma descrição curta da ação.
São excelentes para serem reorganizados sobre uma mesa ou quadro e ideais para iniciantes.
Se você não gosta dos bilhetinhos coloridos esparramados pela sala, a dica é utilizar programas de computador como o Celtx ou até mesmo o Trello, que é uma boa ferramenta de gestão de projetos.

Leitura recomendada

Gostou do nosso artigo sobre o uso da escaleta no cinema e quer se aprofundar em outros aspectos na produção de um roteiro?
Indicamos então dois conteúdos que podem ser bastante úteis para você:

• Cliffhanger: não perca este texto – Conheça uma ferramenta importante para manter a sua audiência interessada nas suas histórias.
• Diegese: entendendo as narrativas – O conceito de diegese é fundamental para que você entenda o seu universo narrativo. Dessa forma, você consegue estabelecer boas conexões entre público, a sua história e a sua equipe.

Fonte das imagens: Freepik / Macrovector

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A origem do termo logline

Em primeiro lugar, a palavra logline remonta a uma medida bastante útil para marinheiros. O conceito é tão bom que foi absorvido pelas roteiristas e produtoras para avaliar a plausibilidade de uma narrativa. Conta-se que os marinheiros jogavam longas cordas com nós no mar para medir a velocidade das embarcações, e assim conseguir mensurar grandezas que, de outra forma, seriam difíceis de medir. Da mesma forma acontece com os roteiros: quer coisa mais complicada do que medir se uma história vai decolar ou não?

Importância e exemplo de logline

Inicialmente adaptada pela indústria hollywoodiana, a logline serve atualmente como instrumento de medição tanto para o público quanto para os vários setores do audiovisual que produzem conteúdo.
Isso porque a logline deve ser simples e objetiva, a ponto de transmitir as questões centrais de uma produção cinematográfica. (Para saber mais sobre roteiro, clique aqui)

Em tese, uma boa logline deve conter cinco elementos.
São eles: a personagem, o conflito, o elemento de distinção, o ambiente e a ação para conseguir alcançar o objetivo.

Como exemplo, temos a logline de 3%, do livro “Da Criação ao Roteiro”, de Doc Comparato (2009):

“No futuro, apenas 3% da humanidade é contemplada com uma vida digna; para ingressar nessa minoria, um casal se sujeita a uma série de desafios e obstáculos.”

Em suma, o autor conseguiu sintetizar, com poucas palavras, o universo das personagens e os desafios que serão enfrentados por elas.
Esse é o propósito de toda logline. Contar a todos, em menos de 45 palavras (de preferência) a narrativa a ser consumida.

Se você tem alguma ficção ou documentário em produção, experimente criar duas ou três fases para verificar se todos os elementos de uma boa história estão ali presentes. Se por algum motivo, você sentir que faltou alguma coisa, reveja a estrutura e teste mudar alguns pontos. Algumas mudanças ou cortes podem ser positivos, e tanto a sua narrativa quanto o público agradecem!

Fonte das imagens: Freepik.

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Se você produz audiovisual, é muito importante saber desse Teste para conseguir avaliar a sub-representação das mulheres na indústria do entretenimento.
Com frequência, vemos casos de diretores/produtores abusivos, de uma diferença salarial entre gêneros e, principalmente, de um silenciamento por parte da indústria e de alguns profissionais.

Com o intuito de desmascarar essas situações, o Teste de Bechdel é uma boa ferramenta para entender como a indústria cultural reforça preconceitos e ideologias dominantes na sociedade. 

Surgimento do Teste

Surpreendentemente, as origens do Teste de Bechdel estão ligadas ao ano de 1985, nos quadrinhos “Dykes to Watch Out For”.
Feitos pela cartunista Alison Bechdel, a constatação do Teste partiu de sua amiga, Liz Wallace. A autora dos quadrinhos acredita que a amiga se inspirou no livro “Um Teto Todo Seu”, da escritora Virginia Woolf.

Conhecido no mundo inteiro, o Teste também é chamado de Teste Bechdel/Wallace ou Medida de Filme Mo.
Dada a sua importância, o Teste conta com um banco de dados para que qualquer pessoa possa conferir se o seu filme predileto figura na lista dos aprovados no Teste.

Os resultados muitas vezes são chocantes! Como é o caso dos filmes infantis, em particular  ‘Como Treinar o Seu Dragão 3’ (2019), e de do cult, ‘Godard Mon Amour’ (2017).

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O que saber antes do meu primeiro roteiro?

A primeira dica pode soar a coisa mais óbvia do mundo, mas é, com certeza, o erro mais recorrente na hora de avaliar um roteiro de alguém que está começando a escrever: roteiro não é literatura.
Apesar de também contar histórias, a roteirista utiliza as palavras para explicar a ação e não para oferecer uma experiência de leitura.

Outra informação importante para quem está começando a escrever roteiros é nunca cercear a liberdade de criação das profissionais que também farão o filme junto com você.
Como as roteiristas costumam fazer isto?
Elas simplesmente dizem à atriz como atuar (agora, a personagem X mexe a boca), à diretora como dirigir (câmera de baixo para cima a fim de reforçar a relação de poder entre as personagens X e Z) ou à diretora de fotografia a como criar as luzes do filme (vamos precisar de muita luz no set).
Este é um erro tão comum e tão grosseiro que pode influir no produto final e nas suas próximas produções.  Em seu roteiro, pontue apenas o que for pertinente. Deixe que o resto das escolhas a serem tomadas envolva as outras pessoas também.

O que é uma cena?

Uma cena é um conjunto de ações que se desenvolvem dentro de um mesmo espaço e tempo. Este arranjo funciona tanto para fins de produção quanto de storytelling, já que podemos desenhar os contornos da história em cada uma das cenas.

Como é a estrutura de um roteiro de cinema?

Você já escreveu o seu texto em uma folha corrida? Então experimente agora dividir o seu roteiro em quatro partes distintas: o cabeçalho, a ação, o diálogo e a transição.
Este modelo de organização do texto é chamado de Master Scenes e, por convenção, estima-se que cada página escrita dure um minuto. Assim, quinze folhas equivalem a um curta-metragem de quinze minutos e um longa-metragem é um documento de sessenta laudas ou mais.

Primeiro elemento: o cabeçalho 

O primeiro elemento do texto é o cabeçalho, onde estão indicados o tempo e o espaço da cena. Podemos subdividir o cabeçalho em três partes: tipo de locação, localização e tempo.
Por tipo de locação, entende-se um local interno ou externo (se fora ou dentro de casa, por exemplo), por localização, o lugar onde a cena irá acontecer (se na rua, em casa ou no bar) e por tempo, às divisões do dia e da noite (madrugada, dia, tarde).

Sendo assim, um exemplo provável de cabeçalho seria:

INT.  SALA DE JANTAR – NOITE

 Segundo elemento: a ação 

A ação, segunda parte da divisão aqui apresentada, é o núcleo central da narrativa e o motor do nosso roteiro. Ao escrever, lembre-se de sempre utilizar os verbos no tempo presente. Ex:

MARGÔ abre as cortinas. Um carro preto estaciona em seu jardim.

Em alguns roteiros, os ruídos e os objetos podem aparecer em caixa alta também, mas esta indicação só deve acontecer se eles forem vitais para a narrativa.

 Terceiro elemento: o diálogo 

O diálogo, uma das partes mais difíceis de um roteiro por conta da transposição da fala para a escrita, apresenta dois blocos de construção: a personagem e sua fala.
Damos o nome de parenthetical às emoções ou ações que acompanham estas falas. Observe esta estrutura:

MARGÔ

(irritada)

O que está acontecendo?

Quarto elemento: a transição  

As transições são responsáveis por encadear a história. As mais comuns são:

Continua (CONT) – Marca que um diálogo continua, apesar da ação transcorrida entre as falas.

Mais (MAIS) – Usada para indicar que o diálogo foi interrompido por conta do fim da página. Precisaremos marcar (CONT) ao lado do nome da personagem, na próxima página.

Voz Over (V.O) –  Indica a figura de um narrador. (você pode ler sobre este assunto, aqui)

Off Screen (O.S) – Utilizamos esta expressão para indicar que a personagem está falando, mas não aparece na tela naquele momento.

Como devo formatar o meu roteiro de cinema?

Ficou na dúvida de qual espaçamento usar, do tamanho da fonte e de como numerar as páginas do seu roteiro? Se você está começando a escrever um, sugiro que não se preocupe tanto com isto no momento. Parece um absurdo? Talvez.
Mas a verdade é que para um bom começo devemos nos ater à narrativa em vez de querer formatar o roteiro do modo mais profissional possível. Aconselho então que você instale alguns aplicativos e softwares para realizar este trabalho com você. Existe um muito bom para isto: o Celtx, gratuito e funcional. Quer maneira melhor de ir aprendendo do que fazer?

Como indicar as personagens em um roteiro de cinema?

Quando uma personagem aparece pela primeira vez, devemos colocar o nome dela em CAIXA ALTA e fazer uma breve descrição de sua aparência. Você não precisa caracterizar todas as pessoas do seu texto, apenas ressaltar os aspectos que fortalecem a sua dramaturgia e que são essenciais para a história acontecer do jeito que você imaginou. Ex: MARIA, mulher trans, alta e ruiva, entra na sala.

O que evitar no meu roteiro?

Fuja dos adjetivos, dos advérbios e das citações.
Você sabe o porquê?

No caso dos adjetivos, temos dois bons motivos para dispensá-los. O primeiro ponto é que um texto repleto de adjetivos costuma desviar a atenção da cena e da ação que ali se desenvolve. O segundo fator, de ordem prática, é que os adjetivos atribuem valor e podem ser uma dor de cabeça  para a Direção de Arte do filme.
Veja só: se em seu roteiro, você pontua que na cena 4, existe um vaso de cerâmica chinesa amarela na sala, espera-se que você tenha criado algum artifício para justificar esta escolha. Caso contrário, imagine a tarefa desnecessária de procurar por uma peça que poderia ser facilmente reposta por outra e causar o mesmo efeito. 

Os advérbios também estão na nossa lista de contraindicação por estarem ligados ao trabalho de encenação, algo que diz respeito ao trabalho das atrizes, montadoras e diretoras. Não compete, portanto, à roteirista determinar a duração de um plano ou de um movimento da cena. Deixe que estas situações se resolvam na hora de gravar o filme.
O uso de citações também é um problema comum. Uma frase proferida por alguma personagem precisa soar convincente e reforçar todo o constructo criado. O problema das citações mal colocadas é que elas fazem o seu texto perder a força e a autenticidade.

Finalmente, evite o negrito, o itálico, o sublinhado e o rasurado em seus roteiros. Eles não são bons marcadores para a cena e não condizem com a ideia de um roteiro bem estruturado.

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Desvendando a diegese

A diegese é um conceito bem antigo.
Foi citada por Platão, mas difundida mesmo pelos estruturalistas franceses.
Do ponto de vista dos teóricos franceses, a diegese é o espaço e o tempo onde as relações da narrativa se constroem e se tornam coerentes, ainda que estejamos falando de um universo fantasioso.

Neste acordo entre narrativa e público não existe descrença ou absurdo, pois a história apresenta seus próprios conceitos e leis.
É por causa disso que podemos ficar algumas horas dentro de um universo fantasioso e não se sentir enganada pelos fatos apresentados na tela.
Afinal de contas, se no universo das personagens é permitido que carros falem, os automóveis podem citar Shakespeare sem problema nenhum.

Vamos usar aqui o filme Mulan (1998) para explicar de outra forma esse assunto.
É muito difícil que ao assistir esse filme que você fique pensando sobre a irrealidade de um dragão conversar com algumas estátuas de pedra.
Pelo contrário, você aceita esta “verdade” como uma regra fundamental para o desenrolar da narrativa.

Para essa façanha de ignorar o “irreal” e tornar essas relações legítimas, nós damos o nome de diegese.

O universo diegético também pode ser exemplificado da seguinte forma:
Se estamos escrevendo um roteiro e colocamos uma cena onde a personagem escuta uma música no rádio do carro, essa canção é diegética.
Ela pertence ao espaço e ao tempo da ficção.

Caso o rádio esteja desligado, mas a trilha sonora foi colocada para ambientar a cena, dizemos que a música é externa à diegese.

Agora, se enquanto dirige, a personagem está reflexiva e conseguimos ouvir os pensamentos dela, temos um recurso meta-diegético acontecendo.

Presença da voz narrativa na ação

No livro Discurso da Narrativa (1972), o crítico francês Gérard Genette comenta que existem vários tipos de narrador.
A classificação que ele faz é a seguinte:

Narrador autodiegético: É a narradora de primeira pessoa que conta uma ação que envolve a si própria.
Neste caso, a narradora também é a personagem principal ou protagonista.
Trata-se, portanto, de uma narrativa autobiográfica ou de um romance autobiográfico.

Narrador homodiegético: É a narradora de primeira ou de terceira pessoa que, por não ser a personagem principal da história, narra os acontecimentos ligados à trama.
Se esta narradora estiver presente na ação dramática, poderá ser também uma personagem secundária.

Narrador heterodiegético: Aquele que por não fazer parte da história, narra os acontecimentos.

Agora que você aprendeu o que é a Diegese, vale a pena revisitar seus textos e verificar se você já usou os exemplos que citamos acima.
Afinal de contas, aprendemos mesmo sobre roteiros de cinema quando escrevemos um pela primeira vez ou quando estamos “tratando” as versões seguinte da nossa narrativa.

Se você gostou desse texto sobre Diegese e quer conhecer mais os nossos conteúdos gratuitos de Roteiro Cinematográfico, não deixe de conferir os artigos que selecionamos para você aqui embaixo.

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A cena clássica desta artimanha é colocar a protagonista em um desfiladeiro, segurando-se por uma mão para, em seguida, exibir o texto: “continua no próximo episódio”.
O cliffhanger então é uma situação limite não-resolvida e que precisa ser concluída, o que para algumas pessoas é angustiante, mas para outras é atrativa.

Como o cliffhanger é antigo e contemporâneo ao mesmo tempo?

O uso de cliffhanger vem de séculos, sendo muito utilizado no cinema nos dias de hoje.

Uma das utilizações mais famosas e antigas do recurso está registrada no livro As Mil e Uma Noites, uma coleção de contos populares provenientes de lugares como Bagdá, Pérsia, Cairo e Índia.
A partir de narrativas envolventes narradas pela inteligente rainha Sherazade durante todas as noites de seu cativeiro, ela consegue salvar a própria vida utilizando o cliffhanger.

Atualmente, milhares de produções continuam ganhando fôlego para o próximo episódio graças a este artifício.
Talvez você já deve ter percebido isso no final do capítulos das novelas, filmes com sequências, seriados de várias temporadas e histórias em quadrinhos.

Nas séries de televisão, o cliffhanger é quase obrigatório porque é uma das melhores formas de fazer o público assistir os próximos episódios e de gerar engajamento com a produção.

Se você é roteirista ou se está começando a sua jornada, recomendamos que leia outros artigos da nossa categoria Roteiro.
Temos conteúdos básicos e bem avançados.
Abaixo, você confere duas opções selecionadas para você.

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Como esquematizar esses conceitos em um roteiro?

Em primeiro lugar, temos o plot.
Esse recurso é considerado a linha fundante de uma narrativa.
Em outras palavras, também podemos dizer que ele é o núcleo central da ação desenvolvida na história.
Dessa maneira, quando temos a junção de várias linhas de ação damos o nome de multiplot.
Vale lembrar que, neste caso, todas as linhas são igualmente importantes para a história narrada.

Sem mais delongas, vamos ao ponto máximo da ação dramática.
A essa elevação e auge da narrativa, damos o nome de clímax.
Em suma, podemos dizer que essa é uma das partes mais importantes de um roteiro, pois a maioria das espectadoras espera pelo momento decisivo. Ou seja, aguardam o instante onde a história atinge o seu pico.

Ao falar de clímax, também precisamos lembrar do ritmo.
Por ritmo, estamos falando da cadência da narrativa.
Ou seja, estamos mencionando a sucessão de movimentos e pausas realizadas na história para prender a atenção ou para nos fazer relaxar. Saber compor momentos de tensão com momentos de calmaria é um dos grandes trunfos de um bom roteiro. Por isso, essa parte precisa ser revisada com frequência.

Agora, quando uma narrativa é escrita em ordem cronológica. Isto é, ela é narrada da forma como os fatos aconteceram no tempo e espaço, dizemos que está acontecendo uma ação direta. Por fim, e ainda falando em estrutura, chamamos de composição o conjunto de atributos físicos, sociais e psicológicos que caracterizam as personagens. Bons personagens apresentam nuances e apresentam uma motivação bem fundamentada.

Se você gostou dessa explicação simplificada, pode curtir também nosso artigo sobre a estrutura de roteiro.
Criar histórias é algo complexo, mas com muito estudo e dedicação, o caminho pode ser mais fácil.

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