SpeechWay: ideal para iniciantes

O SpeechWay permite que você escreva um novo texto ou importe algum documento do Google Doc ou do DocX e TXT files.
Ele funciona em três modos: clássico (a famosa tela preta que ocupa todo o celular), widget (em que ele abre em miniatura) e o modo câmera, que já abre o texto com a câmera frontal ativada.
O modo câmera inclusive é a vantagem deste aplicativo porque você pode ler e se ver ao mesmo tempo: o que para algumas pessoas pode ser uma funcionalidade muito boa para se “destravar”, mas para outras pode ser um problema.

Outras funções do aplicativo são o tamanho do texto, o ajuste da velocidade e a possibilidade de escolher fontes e temas diferentes.

Ele também permite que você defina os limites da tela, execute o texto com um atraso definido (delay), exiba um contador e faça com que o script role automaticamente assim que a gravação começar.
Se você não tem tanta experiência com gravações de vídeo, aconselho experimentar este aplicativo primeiro.

Prompter Duo: bom para iPads

Se você usa os dispositivos Apple, com certeza vai gostar deste aplicativo.
Além de super intuitivo, você consegue personalizar configurações como velocidade, espelhar a tela, mudar o tamanho da fonte e editar o texto.

É um aplicativo excelente para quem grava com iPad, por exemplo.
A grande vantagem desta ferramenta é a falta de anúncios durante a rolagem do texto.

Já conhece as 3 ferramentas gratuitas para quem começou a fazer vídeo agora? Toque no link para descobrir quais são elas.

Elegant Teleprompter: outra boa opção para iniciantes

O Elegant Teleprompter também é uma excelente opção de teleprompter.
Muito fácil de usar, você consegue criar com poucos toques um novo script ou até mesmo importar um texto.

Uma outra vantagem é que você também pode deixar o Elegant Teleprompter em uma janela flutuante, o que significa que você pode usá-lo ao mesmo tempo com qualquer outro aplicativo aberto, como o Instagram, Tik Tok ou o YouTube.

Na versão gratuita, é possível espelhar a tela, configurar o idioma, definir a direção inversa do espelho, mudar a orientação e o tamanho do texto, modificar o espaçamento entre linhas e a velocidade do rolamento, alterar a largura e o foco.
Outras vantagens desta ferramenta são:

• Configurações remotas;
• Backup e restauração;
• Texto em looping;
• Posicionar o texto ao centro:
• Tocar para reproduzir ou pausar.

O único problema do Elegant Teleprompter são os anúncios que podem interromper a sua leitura no meio da gravação.
Já versão paga custa pouco mais de R$10, sem anúncios e com recursos extras.

O conteúdo Melhor aplicativo de teleprompter gratuito aparece primeiro em Margô Filmes.

Ritmo e entonação da fala

Quando estamos falando de redes sociais e plataformas de entretenimento, a regra de ouro é deixar o vídeo mais dinâmico possível para prender a atenção da pessoa logo nos 3 primeiros segundos.
Para isto, você precisa construir um gancho que pode ser desde uma mensagem escrita (lettering) que desperte a curiosidade do público, a uma cena criada para contar uma pequena história ou até mesmo um meme.
O importante aqui é que o recurso escolhido faça sentido com o restante do conteúdo gerado.
Lembrando que isto deve ser pensado, de preferência, na fase de pré-produção, ou seja, bem antes das gravações começarem para diminuirmos as chances de produzir um conteúdo ruim.

Dito isto, outro ponto de destaque que traz dinamismo para o vídeo é cortar as respirações desnecessárias e os cacoetes (“é” e “né”) do seu material gravado.
Após estes ajustes, você vai reparar que o vídeo flui muito melhor e sem grandes pausas entre os assuntos.
Afinal, alguns ruídos e pausas podem ser bastante cansativas se o vídeo for bem mais longo.

Ainda sobre ritmo, já pensou em redimensionar o vídeo para criar planos diferentes?
Se você gravou em apenas um take, esta pode ser uma boa tática, mas tome cuidado para não perder tanto a qualidade na hora de mexer nos parâmetros de escala.
Nestas horas, o que vale mesmo é o bom senso de cada videomaker.
Se achar melhor, você pode inserir algumas imagens de cobertura que fazem sentido com o seu texto.
Sugerimos que você procure primeiro em sites gratuitos como o Unsplash ou o Pexels antes procurar no Artgrid ou Envato, que são bancos de imagem pagos.

Aspecto emocional é importante

Entreter é a função primordial de todo vídeo na internet.
Por esta razão, é muito importante que você se atente nos dois aspectos que compõem a palavra audiovisual: a imagem e o som.

Sobre a imagem, a gente destaca a importância das cores para os seus vídeos.
Como as cores comunicam ideias e sentimentos, um bom método de criação é fazer um vídeo em cima de algumas cores selecionadas, ao qual chamamos de paleta de cores.
Muitas cineastas e publicitárias comunicam suas ideias a partir deste conceito visual e algumas são bem famosas por isso.
Nestes casos, o uso não é involuntário, pois estas profissionais estudam o modo como cada sociedade se relaciona com as cores e transformam estas informações em conflito ou familiaridade dependendo da proposta da narrativa.
Se a princípio, inserir esta mudança no seu fluxo parece ser mais complicada, você vai ver perceber que, ao longo de alguns vídeos produzidos, o resultado será para melhor.
Fazer vídeos é um longo processo e a tendência é que nos tornemos melhores a cada vez que repetimos e criamos coisas novas.

Agora, falando sobre o som, além de escolher a trilha perfeita para seu vídeo, experimente combinar trilhas diferentes para criar momentos de tensão e alívio no público.
Existem situações em que a trilha vai “exigir” mais presença, então você simplesmente pode aumentá-la em uma medida agradável e em outros momentos em que o silêncio será mais importante e comunicativo.
Este critério depende da sua sensibilidade e também do contexto do material que você produziu ou recebeu de alguém.

A cereja do bolo: um detalhe que importa muito

Para finalizar, é hora de prestar atenção em um detalhe que muda completamente a percepção sobre a qualidade e sofisticação do seu vídeo: os SFXs.
SFX é uma sigla para sound effect, que são sons criados artificialmente ou gravados no dia a dia do set para serem tratados durante a edição.
Aqui, na Margô Filmes, temos um artigo explicando tudo sobre SFX, Foley e onde encontrar a melhor biblioteca gratuita de SFX.

Já adiantando: um bom caminho na hora de usar os efeitos sonoros (SFX) no seus vídeos é deixá-los em uma região próxima a -12dB e -18dB na sua mixagem.
Desta forma, eles serão audíveis pela sua audiência e não vão atrapalhar o bom andamento da sua narrativa.

Gostou das dicas?
Que tal compartilhar com aquela sua colega videomaker que está começando na carreira, mas que já faz vídeos incríveis?

O conteúdo 3 etapas para fazer um vídeo excelente aparece primeiro em Margô Filmes.

Video 4K Downloader: baixe vídeos e áudios de graça

Todo começo de processo envolve a coleta de referência para a construção de um novo vídeo, independentemente se você começou agora ou se já produz há algum tempo.
Por isto, experimente criar o seu próprio banco de referências no Drive ou em um aplicativo como o Notion.
Para coletar estes recursos, nós indicamos o Video 4k Downloader, ideal para baixar vídeos e sons de diferentes sites com muita qualidade.
Um ponto forte deste software é que ele é compatível com macOS, Windows, Linux e Android.
Ou seja, sem desculpas para instalar no seu computador e começar a usar agora mesmo.

Pexels: banco de fotos e vídeos gratuitos para videomakers

Com as referências reunidas, é hora de pegar os recursos certos para deixar a narrativa mais dinâmica.
Com o Pexels, você vai conseguir exatamente o que deseja.
Nele, você vai encontrar diversas coleções de fotos e vídeos profissionais.
Todos eles organizados por palavras-chave, em diferentes tamanhos para as redes sociais.
Um ponto alto deste site é a busca por cores, que facilita a criação de uma narrativa totalmente inserida na identidade visual construída.

Handbrake: otimize seus arquivos e resolva problemas de sincronização

Vai exportar o vídeo ou resolver problemas como áudio e vídeo fora de sincronia ou converter arquivos de diferentes formatos?
Experimente o Handbrake para resolver estes problemas.
Três pontos fortes que vão te fazer usar este software gratuito:

• O Handbrake é multiplataforma. Portanto, executável tanto em Windows quanto Mac e Linux
• Tem suporte à legendas, sendo que a configuração hard é fixa, e sempre será exibida na imagem. Já a soft, oferece a opção de ocultar ou mostrar na imagem.
• É código livre e aberto.

Gostou das nossas dicas?
Compartilhe com uma pessoa do Audiovisual que pode gostar deste conteúdo.

O conteúdo 3 ferramentas gratuitas para quem começou a fazer vídeo agora aparece primeiro em Margô Filmes.

Pensando nisso, trouxe um painel com uma curadoria excelente e bastante diversa do Matheus Silva, motion designer da Stellantis Latam, que com toda a certeza vai facilitar, e muito, o seu processo criativo.

São mais de 8 mil imagens, organizadas em mais de 140 temas.
Independentemente do seu nível de conhecimento em produção de vídeo, vale muito a pena dedicar um tempo para conferir as referências que ele compilou ao longo dos anos.

Uma dica importante: se estiver com tempo, você pode simplesmente ir rolando a tela e conferindo tudo em um único painel.
Agora, se precisar de alguma referência específica, bom mesmo é procurar direto nos assuntos que ele mesmo categorizou, na seção “pastas” da plataforma.

Quando passei a usar este recurso como referência, minhas pesquisas ficaram mais ricas e foi muito mais rápido encontrar o que queria expressar em poucos minutos.

Meu conselho é utilizar referências para criar a sua própria coleção de temas e também implementar uma rotina semanal de pesquisa para enriquecer seus trabalhos realizando uma espécie de “giro” em algumas plataformas.
No geral, profissionais da área gostam muito de coletar ideias no Vimeo, no YouTube, no Behance, no Dribbble ou até mesmo no Patreon.
Descubra artistas e outros trabalhos que conversem com a sua produção e aproveite o processo!

Imagens: Freepik e Savee do Matheus Silva.

O conteúdo As melhores referências de vídeo em um só lugar aparece primeiro em Margô Filmes.

Se você ainda não sabe o que é um visualizer, veio ao lugar certo. Em primeiro lugar, por definição, um visualizer é:

O visualizer é apontado como uma “evolução” das ondas sonoras dos reprodutores de mídia (Windows Media Player ou o Winamp), mas o verdadeiro impulsionador deste formato para o público em geral foi o Spotify.
No entanto, a ideia de criar visualizers não é recente: o início desse conceito acontece em 1976, quando o Atari Video Music cria visualizadores para experimentar a tecnologia visual em estéreo Hi-Fi.

Muitas artistas optam pelo visualizer hoje porque o resultado costuma ser bem mais atraente do que a capa do álbum na hora de reproduzir as músicas nas plataformas.
Contudo, engana-se quem pensa que não existe uma curadoria ou um conceito por trás desta criação.
Como tudo no audiovisual, é necessário um monte de pesquisa e referências para produzir um produto surpreendente.

Visualizer: ótima solução para artistas e videomakers

Por ser um formato relativamente novo na indústria fonográfica, muita gente tem resistência em criar visualizers para divulgar suas músicas.
No entanto, quando uma artista aceita investir na produção do visualizer, ela pode optar por dois caminhos:

• Criar uma peça que “converse” com o clipe.
• Substituir o clipe pelo visualizer.

Então, se você é cantora e pensa em lançar alguma música, considere colocar os visualizers na sua estratégia de lançamento.
Eles podem te ajudar a capturar a atenção e criar um relacionamento com a sua audiência, além de reforçar a sua marca autoral e fomentar um ciclo de novidades constantes nas suas redes sociais.

Agora, se você é videomaker, considere incluir esse serviço nos seus contratos e cobrar à parte de suas clientes.
Digo isso porque é um esforço considerável produzir um bom visualizer.
A dica é fazer um briefing com a artista e equipe, além de otimizar as gravações para atender a demanda combinada, que costuma ser grande.
Uma vantagem indiscutível para incluir esse serviço é que os visualizers são materiais que podem destacar no seu portfólio por serem muito versáteis e instigantes.

Um ponto que deve ser levado em consideração, tanto pela artista quanto pela videomaker, é que é possível rodar dezenas de pequenos vídeos com a mesma verba de um videoclipe.
Esse fator, sem dúvida, é bastante atrativo sobretudo quando se é uma artista independente ou uma videomaker iniciante.

Curiosidade da Margô: se você acha que o visualizer é uma estratégia super recente das plataformas, lembre-se de que em 2012, a MSN anunciou o lançamento do Visualizer, ferramenta que gera automaticamente clipes para músicas ouvidas através de streaming. Na época, o serviço buscava a letra das músicas no Flickr e exibia automaticamente o melhor resultado encontrado.

Imagens: Freepik.

O conteúdo O que é o visualizer? Por que investir no formato? aparece primeiro em Margô Filmes.

• 0:00 Introdução
• 0:52 Noções básicas: O que são lentes anamórficas?
• 01:45 Diferenças: lentes anamórficas vs. lentes esféricas
• 05:16 Aplicações criativas
• 08:18 Conclusão

Para fins didáticos, vamos usar o termo lente como sinônimo de objetiva.
Conceitualmente, uma objetiva é composta por diversas lentes, mas o termo ‘lente’ é mais usado no dia a dia.

Rebeca Penido – Margô Filmes

Diferença 1: A formação da imagem na lente esférica e na lente anamórfica

Em primeiro lugar, para entender o formato anamórfico, primeiro vamos precisar compreender o formato esférico.
No interior das lentes, existem diferentes peças de vidro curvo que recebem o nome de elemento.
As lentes esféricas são chamadas dessa maneira porque os elementos da lente são circulares.
Quando a luz passa pelas lentes esféricas e atinge o sensor digital, ela produz uma imagem normal não-compactada.

Já as lentes anamórficas também têm elementos esféricos na parte de trás, mas na parte da frente são adicionados elementos ovais.
Quando a luz acerta o sensor, ela produz e registra uma imagem que parece espremida.
A descompressão dessa imagem acontece na hora de projetar e apresentar essa imagem ao público.

Diferença 2: Como a imagem é apresentada usando uma lente esférica e uma lente anamórfica

Em segundo lugar, a principal diferença de usar uma lente anamórfica é que ela fornece uma proporção mais ampla (widescreen) em comparação com uma lente esférica. A proporção da imagem é de 2.35:1 e 2.39:1.
As lentes esféricas possuem uma proporção de tela mais quadrada, de 1.33:1 e 1.85:1. 
Uma curiosidade que esse vídeo super completo aponta é que Roger Deakins, por exemplo, prefere fotografar com lentes esféricas e cortar na pós a parte superior e inferior da imagem para conseguir uma proporção de tela widescreen.

Outro característica importante de lentes anamórficas é que elas produzem um Bokeh característico.
O bokeh nada mais é do que áreas no fundo da uma imagem que aparecem fora de foco ou distorcidas.
As lentes esféricas produzem um bokeh circular enquanto as lentes anamórficas têm um bokeh oval bem peculiar.

Como a lente esférica tem menos vidro para a luz passar e uma mecânica bem mais simples, elas tendem a produzir uma imagem mais nítida, com distorções mínimas em todo o quadro.
Já a lente anamórfica, em comparação, é menos nítida, apresenta mais distorção na imagem como um todo e também gera um efeito conhecido como falloff, em que quanto mais próximos das extremidades da imagem, mais distorcidos ficam os objetos enquadrados. 

Diferença 3: Os custos de produção uma lente esférica e de uma lente anamórfica

Lentes anamórficas são caras, não só devido ao preço do aluguel, mas também por conta dos custos que elas demandam quando decidimos usá-las. Além de serem muito mais complexas e difíceis de construir.
Já as lentes esféricas são geralmente mais rápidas, o que significa que eles têm um T stop inferior.
Existem casos de lentes esféricas de 1.3 que deixam passar muita luz. Já nas lentes anamórficas, você vai encontrar lentes de 2.8 a 4, o que significa que elas deixam entrar menos luz.
Se preferir usar uma lente anamórfica é provável que você precise de mais luzes do que se usasse uma lente esférica.
De fato, como as lentes anamórficas têm uma tela ampla, você vai precisar enquadrar e construir espaços maiores do que se usasse uma lente esférica, o que vai demandar também mais gastos com Direção de Arte.

As lentes esféricas geralmente têm mais distâncias focais do que as lentes anamórficas.
Por certo, as anamórficas mais tradicionais são as de 40mm, 50mm 75mm e 100mm.
Já as lentes esféricas têm 18 distâncias focais diferentes na maioria dos fabricantes.

Diferença 4: Mais detalhes sobre as escolhas estéticas de uma lente esférica e uma lente anamórfica

Sem dúvida, as características de imagem das lentes também têm um efeito psicológico.
No vídeo, temos o exemplo de Árvore da Vida (2011), gravado com lentes esféricas.
Essa escolha conferiu ao filme imagens vívidas e naturalistas, com uma nitidez impressionante.
Em contraste com Moonlight (2016), que tem uma intenção bem diferente.
Nas cenas com lentes anamórficas temos um bokeh belíssimo que nos passa uma ideia de sonho e nostalgia que apoia a narração do personagem.
O vídeo também faz menção a Barry Lyndon (1975) e ao uso das lentes desenvolvidas pela NASA e que foram empregadas por John Alcott.
Nesse sentido, você pode saber mais sobre esse filme no artigo sobre practical light, aqui da Margô Filmes.

De acordo com o autor do vídeo: “é importante nos educarmos sobre a engrenagem usada em filmes.”
Por fim, espero que esse artigo com todos os ensinamentos possa ter te ajudado e espero também que você assista a esse maravilhoso vídeo que nos ensina muito sobre cinematografia e como nossas escolhas impactam nossa mensagem.

O conteúdo O que é lente anamórfica e lente esférica? aparece primeiro em Margô Filmes.

Diferentemente da atriz, a figurante não tem falas, e por isso não é necessário ter registro profissional. Abaixo, explicamos conceitos importantes e damos dicas para você que deseja saber mais sobre figuração.

Qual é a diferença entre figurante e ponta?

Damos o nome de ponta a um trabalho menor, mas com falas. Portanto, exercido por uma atriz.
Já a pessoa que faz figuração não tem falas e ajuda a compor as cenas. Você já imaginou precisar transmitir a ideia de uma boate ou restaurante movimentados sem contar com o trabalho de figurantes? Impossível se o sentido for mostrar a atividade desses locais em dias comuns.

Qual é a diferença entre figurante e ponta?

Damos o nome de ponta a um trabalho menor, mas com falas. Portanto, exercido por uma atriz.
Já a pessoa que faz figuração não tem falas e ajuda a compor as cenas. Você já imaginou precisar transmitir a ideia de uma boate ou restaurante movimentados sem contar com o trabalho de figurantes? Impossível se o sentido for mostrar a atividade desses locais em dias comuns.

Qual é a diferença entre atriz e figurante?

Pela lei, para ser atriz no Brasil é preciso ter o registro profissional, também chamado de DRT (sigla para Delegacia Regional de Trabalho). Enquanto isso, os figurantes são profissionais amadores que não precisam ter formação profissional ou registro para exercer essa atividade.

Quanto é o salário de um figurante?

Geralmente, uma figurante é contratada por dia e trabalha de 8 a 12 horas.
No entanto, pode acontecer de precisarem estender o horário da diária para gravarem por mais horas. Nessas situações, é pago um valor adicional por hora trabalhada.
A remuneração depende de alguns fatores como: o tipo de produção, produtora/agência escolhida ou diárias trabalhadas.
No entanto, podemos dizer que o cachê vai de R$50 a R$500, depositados na sua conta no dia ou em até 30 dias após o término da sua gravação.

Dicas para uma figurante iniciante

A dica de ouro é continuar procurando artigos sobre a área e, se possível, fazer cursos de atuação para dar novos passos na carreira. Outro ponto de muita importância é participar de testes de elenco para ganhar experiência e poder ser chamada para participar de uma produção. Independentemente de televisão ou cinema, ser figurante ou atriz é um trabalho difícil, então não desista na primeira oportunidade se é realmente isso que você quer.

Na lista de etiqueta dentro do set, também precisamos evitar:

• Interromper o trabalho das atrizes: Tudo tem a sua hora. Então, nada de pedir autógrafos ou para tirar fotos. Todo mundo está ali para trabalhar.
• Olhar para a câmera ou murmurar algum texto.
• Tentar mudar a sua posição para ficar mais perto do elenco principal.
• Chegar depois das atrizes e atores. Afinal, é preciso que o figurino e a maquiagem (quando houver) fiquem prontos o quanto antes e você não pode atrasar as gravações.

Nós selecionamos um vídeo do Parafernalha para você rir um pouco e entender porque manter a compostura dentro de um set de gravação é fundamental para que ser chamada para mais trabalhos e seguir na carreira artística.

Como faço para participar de uma novela na Globo?

A Globo contrata as figurantes por meio de agências parceiras. Por isso, é importante que você consulte regularmente o site da empresa ou de produtoras associadas à emissora. No site da Globo Filmes, por exemplo, você encontra todas essas informações.

Gostou das nossas dicas e quer sugerir outros conteúdos ou tem dúvidas sobre figuração? Deixe seu recado aqui embaixo, que a gente te responde. No mais, desejamos sucesso nas suas produções e continue nos acompanhando para aprender tudo sobre produção audiovisual sem gastar nada por isso.

Imagens: Freepik

O conteúdo O que é preciso para ser figurante? aparece primeiro em Margô Filmes.

Nesse kit, você vai encontrar recomendações de compra de câmera, microfone, tripé e equipamentos de iluminação.
Esse setup atende a maioria dos canais iniciantes e vai se adequar muito bem às suas primeiras necessidades de criação de conteúdo.

Ah! Vale mencionar que não recebemos nada para recomendar esses produtos. Todas as indicações foram baseadas em experiências próprias e reviews.

O que preciso para começar meu canal no YouTube?

Em primeiro lugar, a produção audiovisual é dividida em três etapas cronológicas: a pré-produção, a produção e a pós-produção. Em cada uma dessas etapas, temos necessidades e equipamentos que são fundamentais para criarmos o nosso vídeo.

Nesse texto, vamos falar da etapa de produção, que é o momento em que vamos gravar o nosso material.
Mas se você se interessa por pré-produção, recomendamos a leitura do “Checklist para gravar vídeos”.

Agora, se você tem dúvidas sobre como começar a editar, indicamos o texto “Como organizar seu projeto de vídeo?”.

Qual é a melhor câmera para começar meu canal no YouTube?

A câmera é a sua primeira escolha, pois todo o seu setup virá a partir dela. No entanto, muita gente acredita que para fazer sucesso é preciso comprar uma câmera nova, o que é uma lenda. Na verdade, no próprio YouTube, temos muitas criadoras de conteúdo fazendo sucesso gravando com seus próprios celulares. Então, para que esperar a compra de uma câmera nova se você pode começar hoje?

Em vez de gastar com um novo aparelho, que tal comprar um aplicativo que te dará novas funcionalidades e mais controle da sua imagem final?
Estou falando do FiLMiC Pro, um app que conta com recursos avançados de gravação para celulares com Android e iOS (iPhone).
Com ele, você pode alterar a resolução do seu vídeo, controlar o áudio, o frame rate, a exposição, o ISO, a temperatura de cor, o foco e outras configurações.

Qual microfone uso para gravar meu primeiro vídeo no Youtube?

Comprar um microfone externo em vez de utilizar o microfone do seu celular, é sem dúvida, uma das melhores formas de aumentar a qualidade do seu vídeo. Mas você sabia que existem excelentes opções gastando muito pouco?

Seja para gravar entrevistas ou sozinha, temos três opções muito úteis para o seu setup. No entanto, antes de comprar um microfone, você precisa dimensionar como será a sua gravação. Na Margô Filmes, temos um texto que fala sobre isso e que vale muito a pena ler antes de comprar o seu primeiro microfone.

Se você já sabe o que quer, nossas indicações são:

• Microfone de Lapela Boya By-M1: Excelente para gravar falando para a câmera ou para usar em entrevistas.
  
• Microfone Shotgun Boya By-MM1: Uma opção incrível para gravar falando para a câmera sem deixar o microfone aparecer dentro do quadro.
  
• Microfone “Gamer“: Sabe aquela voz marcante e suave, típica dos podcasts? Com esse microfone, você vai chegar lá.

Qual tripé devo escolher para gravar meu primeiro vídeo para o YouTube?

Se gravar o vídeo na mão não é a melhor opção para você, recomendamos a compra de um tripé.
Seja para usar no chão ou em mesas e bancadas, existem opções com bom custo-benefício e que vão te surpreender logo no primeiro uso.

No entanto, vale ressaltar que antes de comprar o seu equipamento, recomendamos que você avalie bem a sua locação. Damos o nome de locação a qualquer espaço físico que você pretenda gravar o seu vídeo. Entender bem as características do lugar é um critério super importante para escolher o tripé ideal para o seu canal.

Abaixo, indicamos dois itens com bom acabamento para eliminar de vez as tremidas do seu vídeo:

• Tripé para usar em mesas e bancadas: O Gorila Shield tem “uma mobilidade de 360º” para o celular e “possui a tecnologia smartlock, o que permite posicioná-lo em até 4,5 centímetros a mais de altura e criar mais estabilidade para o uso, tornando-se ideal para quem precisa de um suporte para usar em mesa, bancadas ou outras superfícies lisas.”
  
• Tripé de chão: Tripé em alumínio, com gatilho para retirar a câmera com facilidade. Ele mede 68 centímetros (fechado) e tem altura máxima de 1,80m. Um ponto importante é que os pés são revestidos por uma borracha e isso é ótimo para a estabilidade.

Escolhendo o equipamento de iluminação para o seu canal do YouTube

A luz do Sol é a melhor fonte de luz possível, mas saber trabalhar com ela é um longo aprendizado.
Em geral, existem horários melhores para se gravar no Sol, como entre 7h e 9h da manhã ou de 14h a 16h, mas nem sempre é possível gravar nesse intervalo. Por isso, recomendo que você opte por luz artificial. A dica é pesquisar por LEDs com um IRC de 85 ou acima desse valor. Se você ainda não sabe o que é IRC, temos um texto falando sobre esse conceito super importante no audiovisual.

Indicamos os LEDs porque são fontes de luz econômicas, silenciosas e que não vão esquentar seu ambiente a ponto de tornar a sua gravação desconfortável.

Você pode procurar por ringlights ou por softboxes.
A diferença principal aqui é que na primeira, você terá uma luz homogênea com uma estética muito parecida com as criadoras do Instagram, e no segundo, uma luz mais suave e mais parecida com a estética do YouTube. Indicamos dois itens:

• Ringlight bom e barato: Com ele, é possível ajustar a temperatura de cor por meio do controle (de 3.500K à 5.500K). Tem filtro difusor para suavizar a luz e você pode ajustar o ângulo do equipamento já que ele tem um suporte articulado.
  
• Softbox: Com altura máxima de 2 metros, o bocal tem rosca tipo E27, que é o mesmo das lâmpadas que usamos no dia a dia.

Abaixo, você confere uma aula incrível e super rápida de iluminação realizada pelo Diretor de Fotografia do Porta dos Fundos, Guilherme Machado, para o YouTube Creator Camp Brasil, um evento para criadores de conteúdo da plataforma.

Gostou das nossas dicas e quer mais textos como esse? Então não deixe de comentar aqui embaixo.
Estamos aqui por você e ficamos muito felizes com feedback.

Ah! E se você começou seu canal agora e leu esse texto, posta o link dele aqui também.
Vamos ficar felizes em divulgar seu trabalho.

Grande abraço e boa gravação!

Fonte das imagens: Freepik e FiLMiC Pro.

O conteúdo Kit para gravar seu primeiro vídeo no Youtube aparece primeiro em Margô Filmes.

Dica 1 – A Bíblia do Video Marketing para iniciantes

O primeiro deles é Video Marketing, de Jon Mowat.
A publicação aborda desde o porquê o video marketing funciona até como construir de um bom hub de conteúdos.
Além disso, o autor apresenta diversos cases de sucesso.
Esse é, inclusive, o motivo principal para indicá-lo, pois é um prato cheio para inspiração e repertório.

Dica 2 – Para botar a mão na massa

O segundo da lista é Vídeos que Vendem Mais, do Camilo Coutinho.
O Camilo é a referência número 1 do mercado no Brasil e ensina com simplicidade e eficácia desde a estruturação da ideia até a otimização constante do conteúdo.

Lembre-se sempre que melhorar um conteúdo já existente é uma tarefa super importante para todo mundo que trabalha com criatividade na internet.

Outro ponto positivo desse livro é que ele vai te convidar para a prática o tempo todo e você vai se beneficiar muito ao aplicar as dicas. No fundo, video marketing é feito de muitos testes e aprendizados constantes.

Dica 3 – Para conhecer mais sobre o YouTube

Por fim, o terceiro da lista é Streampunks: o YouTube e os rebeldes que estão transformando as mídias, de Robert Kyncl e Maany Peyvan.
Sobretudo, o livro conta com muitas histórias dos criadores e criadoras de conteúdo da plataforma pontuando as principais características para o sucesso das mídias. Dentre eles: o poder da comunidade, a monetização de todos os criadores e criadoras a partir de um determinado nível, a popularização dos aparelhos com câmera e o poder da autenticidade.
Ou seja, é um conteúdo imperdível, não é mesmo?

Gostou do conteúdo?
Então deixe um comentário para a gente aqui embaixo. Afinal, sua opinião é muito importante para a gente.
Por fim, não deixe de seguir o Instagram da Margô Filmes. Para ir direto é só clicar aqui.

Imagens: Rebeca Penido e Freepik.

O conteúdo 3 livros de Video Marketing para creators aparece primeiro em Margô Filmes.

Normalmente, a Operadora de Video Assist é chamada para o trabalho pela 1ª assistente de câmera. Após topar, ela recebe uma lista de equipamentos para estudar todos itens e fazer as suas recomendações em cima desse documento.

A rotina da pessoa operadora de video assist

Durante as gravações, a Video Assist monta toda a estrutura que funciona. Seja por meio de cabos ou do video link.
Se você não sabe o que é um video link, o grande diferencial desse equipamento é que ele oferece mais mobilidade.
Se a sua produção audiovisual tem muitas trocas de cenários ou é em uma área de difícil acesso, considere fortemente essa opção.

Dica para iniciantes: Apesar de sempre termos em mente os monitores de publicidade ou cinema (grandões de 17 até 21 polegadas), os monitores portáteis também devem ser levados em consideração. Conhecidos como monitores de mão, eles fazem muito sucesso nas gravações por ajudarem no deslocamento de toda a equipe.
Se este é seu primeiro trabalho como Video Assist, pense nisso também na hora de escolher.

Considerações importantes para qualquer operadora de Video Assist

Falando em oportunidades no set, não podemos nos esquecer de um equipamento que faz toda a diferença: o gravador.
Com ele, iremos conferir o foco, entender se a cena foi boa para quem dirige etc. Por isso, use esse recurso com sabedoria. Afinal, essa ferramenta tem o poder de tornar a rotina mais fácil, mas também é muito tentador ficar revendo tudo. Cuidado com os atrasos no cronograma!

Voltando ao assunto, como o gravador funciona bem nos ensaios e “no valendo”, ele é fundamental para o trabalho da assistente de direção, da equipe da arte e da continuísta, que precisa estar atenta ao que acontece em cada plano/cena.

Por fim, se você vai realizar essa atividade pela primeira vez, separamos duas dicas importantes. Anota aí:

Em primeiro lugar, em médias e grandes produções, você pode contar com um carrinho à sua disposição. São os chamados magliner. No entanto, em produções menores, você pode usar mesas portáteis ou um conjunto de tripés para fazer a sua “estação de trabalho”. O importante é ter um espaço dedicado só seu onde o trabalho possa fluir.

Em segundo, mas não menos importante, lembre-se sempre carregar um kit de ferramentas básicas. Toda video assist precisa ter fitas ao alcance para demarcar espaços ou para resolver problemas pontuais. Falhas e ajustes costumam acontecer em todo trabalho, por esta razão, esteja prevenida desde já para situações de estresse.

Você sabia que pode aprender sobre audiovisual, gratuitamente? É só acessar aqui e conferir nossos artigos.

Já conhece o nosso Instagram? É o @margofilmes. Esperamos você.

Agradecimentos à @laury.dx pela ideia do texto.

Fonte: Freepik

O conteúdo O que faz a pessoa operadora de video assist? aparece primeiro em Margô Filmes.

Funções do audiovisual: o que faz a Maquinista?

Em primeiro lugar, a maquinista. Apesar de desconhecida para muitas pessoas, a profissional é responsável pela montagem e manuseio de carrinhos, trilhos, gruas e todos os equipamentos mecânicos para a realização de movimentos de câmera durante uma gravação. Portanto, é uma pessoa importantíssima e de grande saber técnico em uma gravação.

Produtora de platô: qual a função?

Em segundo lugar, temos esta que é uma função vital na coordenação da locação, pois realiza tanto a interdição do trânsito, quanto a coordenação da gravação em estúdio e o controle de movimentação de outros departamentos.

O que faz uma Continuísta?

Sabe a ligação entre um plano e outro? Ela é de responsabilidade da continuísta, que normalmente checa a continuidade do figurino, a maquiagem, o cenário e o eixo de cena. No set ou na locação, ela anota tudo ou registra as informações com fotografias.

Mockupista trabalha como?

É a pessoa responsável para criação de objetos falsos para a gravação, os chamados mockups. Sobre esse assunto, fizemos um artigo bastante completo, você pode acessar o link aqui.

Girl/Boy de Set: o que é?

Sua função é ajudar na produção, durante as gravações. Nesse aspecto, a pessoa executa os serviços gerais e é supervisionado pela produção ou por outro departamento.

Catering: qual é a função?

Uma das equipes mais importantes durante uma gravação. É a responsável pela alimentação de todas as pessoas envolvidas em uma produção audiovisual.

Produtora de Foley

A função dessa pessoa é produzir e gravar o som das cenas em estúdio durante a pós-produção. Fizemos um artigo especialmente sobre isso, para conferir é só acessar o link.


Para conferir outros conteúdos nossos, inclusive sobre funções do audiovisual, acesse o nosso Instagram por aqui.

Fonte das imagens: Freepik.

O conteúdo Quais são as funções mais curiosas do cinema? aparece primeiro em Margô Filmes.

Abaixo, você confere nossos cinco momentos decisivos para dirigir um filme com tranquilidade.

Como dirigir um filme? Quais são as etapas fundamentais?

Em primeiro lugar, pense na encenação.
Encenar é visualizar e identificar como as atrizes e os atores irão se posicionar e se movimentar pelo espaço. É um exercício de criatividade e de muito planejamento, pois neste momento é que saberemos onde a câmera vai estar em cada cena e o que iremos mostrar de fato ao público.
No geral, é recomendado que você passe instruções de como gostaria que a cena fosse feita. Mas também pode deixar que o elenco traga suas referências e que o diálogo aconteça. Apesar da decisão de como proceder seja sua, negociações são importantes para um trabalho bem feito e dirigir um filme também é saber quando ceder.

Logo em seguida, acontece a segunda etapa que é o preparo das luzes do filme. Neste instante, é a hora de produzir uma iluminação baseada nas posições e movimentações do elenco. Importante também lembrar de esconder os refletores e todos os equipamentos para que eles não apareçam na cena.

Realizadas as marcações, vem o primeiro ensaio geral. Aquele em que toda a equipe é envolvida para saber o que vai acontecer e o que não deve ser feito de jeito nenhum quando começar a gravar. Deste modo, todo mundo fica sabendo e a chance de erros é muito menor.

Na quarta parte, é feito o processo de afinação de luz, de áudio e até mesmo sugestões sobre a intepretação do elenco. Nesse instante, quase tudo está pronto para a última etapa, mas ainda é preciso reajustar algumas engrenagens. Às vezes, pode ser um gesto, uma pausa ou um reflexo. Fazer cada cena funcionar é muito importante para a história ser bem contada.

Por fim, é o momento de gravar pela primeira vez e assistir o desempenho do todo. Você vai identificar quais detalhes da produção podem ser melhorados com mais tomadas. Surpreendentemente, ao fim de tudo, você vai perceber que esse passo a passo é uma excelente forma de construir o seu filme. Aos poucos, você vai fazendo ajustes para que o trabalho flua melhor.

Por fim, dirigir um filme não é um exercício simples, mas com muito treino e dedicação, você vai ver que seus resultados vão melhorar bastante ao longo do tempo.

Gostou do texto? Então, deixe seu comentário aqui embaixo e compartilhar com seus amigos. A Margô Filmes ensina produção audiovisua gratuitamente e contamos com o seu apoio.

O conteúdo Como dirigir um filme? Confira os 5 passos. aparece primeiro em Margô Filmes.

Dica 1: Estude a sua produção audiovisual

Em primeiro lugar, de nada adianta se comunicar bem, sem entender a estrutura e as nuances do projeto gravado. Por isso, faça um briefing (um documento com as ideias e estratégias) em equipe e identifiquem juntos todas as oportunidades que a gravação em questão irá render ao time.
Muitas equipes ignoram a necessidade de um alinhamento e briefing bem-feitos. No entanto, percebem no fim da produção, que alguns problemas básicos seriam resolvidos com uma conversa prévia.
Mas e se você for a sua equipe? Não se preocupe! Estudar a sua produção também envolve fazer tech scout (para ler o texto, acesse aqui), estudar o material de outras fotógrafas para adquirir um bom repertório e esmiuçar o contrato para entender os elementos essenciais contratados pela sua cliente, por exemplo. (para conferir o artigo sobre contrato, acesse aqui)

Dica 2: Aumente o seu repertório sobre direção

A direção de cena exige um apanhado de referências e métodos a serem praticados. São muitas escolas de interpretação, muitas técnicas e muita improvisação envolvidas. Se você tem interesse em se aprofundar ou extrair o melhor de sua modelo ou atriz, aconselho os seguintes materiais:
Cinema: Direção de atores, de Carlos Gerbase.
Esse livro é fundamental para conhecer do zero a direção de cena com uma das grandes referências do cinema brasileiro.
Ofício em Cena, realizada pela GloboNews.
Série que reúne entrevistas com profissionais consagrados da dramaturgia brasileira.

Dica 3: Combine como serão dadas as indicações

Nem todo mundo tem facilidade logo de cara em distinguir o lado direito do esquerdo, não é mesmo? Quando estamos em uma gravação, o processo é ainda pior porque estamos em uma relação de espelhamento com outro. A sua direita, por exemplo, passa a ser a esquerda de outra pessoa. Por isso, na hora de passar dicas e determinados comandos, priorize por indicar o lado direito ou esquerdo da modelo ou atriz. Desse modo, você evita que a pessoa saia constantemente de uma marcação de luz e muito mais preciso nos seus pedidos.
Lembre-se também de combinar previamente os horários de descanso, as refeições e o término com todas pessoas envolvidas. Mencionar o prazo de entrega do trabalho também é uma boa opção. Isso porque a falta de um posicionamento específico ou geral pode ser desagradável e criar ansiedade em muita gente.

Dica 4: Procure criar uma relação de confiança

Uma das formas de deixar uma modelo ou atriz mais à vontade é dar bons feedbacks ao longo do ensaio ou gravação. Seja por meio de conversas ou, em alguns casos, mostrando uma prévia do que está sendo feito. No geral, esse tipo de resposta é positivo para que as pessoas confiem mais no seu trabalho e também para que tenham mais segurança no processo.
Contudo, toda regra tem a sua exceção: afinal, nem todo mundo se sente à vontade se vendo. Então, vale a pena confirmar antes se esse é um bom método ou não para o seu ensaio.
Falando em exibir trechos, lembre-se de que o ideal é mostrar uma pequenina parte do melhor que está sendo feito: uma imagem já basta. Você precisa encantar a pessoa e não enchê-la de informação desnecessária.
Por experiência, aconselho você a mostrar apenas poucos takes ou fotos, pois não é interessante que a pessoa tenha conhecimento dos testes ou dos erros gerais de toda produção audiovisual ou fotográfica. 
Mostrar material demais não é recomendado porque pode gerar um sensação de insegurança (justamente o oposto do desejado em um trabalho desse tipo). No mais, troque informações e crie momentos em que as pessoas possam descontrair. Na maioria das vezes, uma conversa sobre amenidades costuma funcionar bem como válvula de escape.

Dica 5: Esteja atenta às oportunidades

Vai gravar ao ar livre? Que tal procurar por visuais interessantes, como uma parede pintada ou caminhos de pedra, por exemplo? Ao gravar na rua, você vai perceber que é sempre testar as possibilidades de um novo local sob diferentes ângulos.

A pessoa ficou tímida de repente? Então, que tal adicionar objetos para que ela possa se distrair em algumas fotos ou cenas e até mesmo para que ela saiba como posicionar mãos? Essa dica costuma ser bastante útil em alguns casos.
Por fim, como tudo nessa vida, dirigir pessoas requer prática. Você verá que esse é um exercício de constante aprendizado e que a cada novo trabalho, uma nova técnica ou observação será aprendida! A curva de aprendizado costuma ser bem rápida. No mais, desejamos bons trabalhos!

Fonte das imagens: Freepik / Macrovector.

O conteúdo Dicas e referências de direção de cena aparece primeiro em Margô Filmes.

Explicando melhor o conceito, hot shoe e cold shoe são peças de contato presentes na parte de cima da câmera.
Elas são importantes porque fixam microfones e flashes, por exemplo.
A diferença entre um e outro é bem simples e pode ser explicada em poucos minutos. Confira logo abaixo.

Hot shoe: quando o contato é quente

A melhor forma de explicar o que é o hot shoe (contato quente, em uma tradução livre) é exemplificar a ligação de um microfone ou flash dedicado. Quando ocorre a comunicação entre o equipamento escolhido temos um hot shoe. Isto é, um encaixe (chamado de sapata) com terminais eletrônicos que fazem as trocas de informação entre a câmera e o equipamento escolhido.

Cold shoe: quando o contato é frio

Agora, o cold shoe é o oposto do exemplo acima.
Chamamos de cold shoe quando não há troca de informações entre os equipamentos selecionados.
Por isso, o contato é denominado frio, sem interação direta.

Isso acontece porque a sapata da câmera ou do equipamento não tem uma terminação eletrônica para enviar e receber os sinais elétricos.
Em resumo, esse encaixe, nesses casos, serve apenas para a fixação do equipamento na câmera.

Mas por que saber disso?
Estes dois exemplos são muito importantes quando você está montando o seu setup de gravações.
Por esse motivo, saber o que pode ser colocado corretamente na sua câmera fará toda a diferença na hora de apertar o REC.

Se você gostou desta dica rápida e quer saber mais sobre equipamentos e técnicas, confira os outros textos da categoria Gravação de Vídeos.
Aproveite para recomendar para suas amigas e amigos. Todo o nosso conteúdo é gratuito.

Fonte das imagens: Freepik / Macrovector.

O conteúdo Hot shoe e cold shoe: qual a diferença? aparece primeiro em Margô Filmes.

• “Maquiar” os cortes bruscos entre um take e outro;
• Mostrar os sentimentos das personagens de um vídeo.

Origem do nome B-roll para designar imagens de cobertura

O surgimento do nome e do conceito de imagens de cobertura vem da época dos filmes em película.
Nesse “passado” recente, o o material era gravado em rolos e organizado pela finalidade.
Na bobina A, estavam as cenas principais da produção e o som do filme. Já no rolo B, encontravam-se as tomadas com as imagens de cobertura.
Mas o que seriam essas cenas? Os detalhes, as paisagens e os closes, por exemplo.

Principais usos das imagens de cobertura

Primeiramente, as B-rolls mais recorrentes são compostas por planos detalhe e closes das personagens. São momentos dramáticos que revelam grandes emoções ao público.
Sobretudo, se a cena em questão for o relógio de uma bomba ou o registro de mãos agitadas durante uma conversa. Você consegue perceber o potencial dessa ferramenta?

Agora, se você pretende gravar B-rolls, as duas principais dicas para você são:
Primeiro, entenda as nuances do seu roteiro. Às vezes, uma parte da história pede que ela seja contada com imagens de cobertura. Outras vezes, isso será desnecessário.
Dica número dois: converse com as pessoas da sua equipe.
Você pode ter pensado no modo perfeito de fazer aquela imagem de cobertura, mas as chances de alguém melhorar a sua ideia ou apresentar pontos importantes a respeito são maiores quando você compartilha suas intenções.

As duas dicas podem parecer instruções rasas, porém são bastante úteis para aumentar as suas chances de um bom resultado.
Por fim, vale lembrar que planejamento é fundamental. Afinal de contas, ninguém gosta de gravar material em excesso para não usar depois.
Confira abaixo o B-roll e erros de gravação do filme “A Chegada” (2016)

Leitura recomendada para você que aprendeu sobre imagens de cobertura

Gostou do nosso texto sobre imagens de cobertura? Então é provável que esses dois conteúdos sejam úteis para você complementar seu aprendizado hoje:

• Dicas para se destacar no set: Esse texto sugere alguns caminhos e abordagens para a sua primeira experiência em um set de gravações com uma equipe mais experiente.
  
  
• Os cinco erros mais comuns de uma videomaker iniciante: Esse artigo é focado no sucesso de suas primeiras realizações. Em outras palavras, descubra suas potencialidades e identifique pontos importantes da sua produção audiovisual.

Fonte das imagens: Freepik / Macrovector

O conteúdo O que é B-roll? Como usar imagens de cobertura? aparece primeiro em Margô Filmes.

A verdade é que, no início de toda e qualquer carreira, a gente comete muito mais erros do que quando temos familiaridade com um assunto e administramos a rotina. E como videomakers o assunto não é diferente. Abaixo, você confere os 5 erros mais comuns que todas nós costumamos cometer.

Não planejar as cenas gravadas

Esse erro clássico tem o potencial de jogar a média da sua gravação para baixo.
Primeiramente, sem planejamento, você tende a gravar menos imagens do que o necessário. Além disso, o seu material poder parecer repetido ou sem sentido.
No pior dos casos, você pode comprometer também a sua imagem profissional durante a direção de outros profissionais.
O resultado da falta de planejamento é um completo desastre! Para prevenir essa situação, experimente colocar em um documento todas as informações e expectativas do vídeo. Assim, você terá noção do processo e saberá exatamente o que fazer para aproveitar todos os recursos disponíveis.

Não ter a cópia do material gravado

Esse erro gera uma dor de cabeça sem fim porque te expõe a situações que você talvez não possa resolver, mas que com certeza poderia prevenir. Fazer a cópia do material é muito importante porque, como a produção de um vídeo requer muito tempo e uma boa quantidade de recursos, nem sempre teremos condições de regravar ou de recuperar a informação perdida.

Um dos erros mais comuns de uma videomaker iniciante: não estudar referências

De nada adianta produzir um vídeo super rápido para explicar sobre um assunto que “peça” por um conteúdo mais lento – no ritmo, na apresentação das ideias, enfim, em todos os contextos.
Não estudar referências, sobretudo as de sucesso, é uma das muitas formas de você se perder em processos que não irão gerar o impacto que você e seus clientes almejam.
Fique atenta ao pedido dos clientes e encontre as sacadas que diferenciam um vídeo da média de conteúdos gerados.

Não conferir o equipamento antes de usá-lo

Quem nunca saiu para gravar sem baterias e cartões suficientes? Eu espero que você não! 
Esse é um erro terrível que inviabiliza a sua produção, que interfere na qualidade do seu produto audiovisual e que com toda a certeza destrói a sua imagem profissional.
Uma dica: coloque as pilhas e baterias para carregar com antecedência e sempre confira os seus equipamentos antes de sair para uma gravação.

Subestimar a locação

Todo espaço disponibiliza ferramentas e recursos para trabalharmos na imagem.
Saber o que aproveitar ou ignorar deles é a regra de ouro. (Fizemos um post sobre isso, para ler é só clicar aqui)
Se você decidiu por um espaço, tenha em mente que você terá que aproveitar os ângulos ou momentos específicos.
Saiba extrair da locação os elementos que irão reforçar a sua mensagem e passar mais credibilidade a ela.

Bônus: Por fim, você confere no canal Videomaker (com conteúdo em inglês), uma dica importante de cinematografia.
Acesse o vídeo por esse link (clique aqui) e descubra uma regra importante a ser seguida.

Fonte das imagens: Raw Pixel / Macrovector.

O conteúdo Os 5 erros mais comuns de uma videomaker iniciante aparece primeiro em Margô Filmes.

O que fazer antes de chegar no set de filmagem?

Resolvi dividir este texto em partes para te ajudar a compreender o processo.
Antes de tudo, vamos retomar o fundamental. Aqui estão algumas dicas importantes para se preparar melhor para o trabalho a ser feito:

• Estude a sua função dentro da produção e leia os manuais ou artigos sobre os equipamentos utilizados;
• Durma bem no dia anterior;
• Alimente-se corretamente antes de sair de casa;
• Beba água (leve, preferencialmente, uma garrafinha com você);
• Use roupas pretas limpas e tênis confortáveis. Afinal, você vai ficar muito tempo em pé e suar bastante;
• Faça alongamentos;
• Confira os seus equipamentos de trabalho (para saber mais sobre organização, confira esse conteúdo sobre checklist).

Das dicas acima, tome muito cuidado com o vestuário. Na falta de um uniforme, sempre use roupas pretas confortáveis e que ajudem a lidar com a transpiração, se for necessário. No set, o conforto é um grande aliado da agilidade. Por essa razão, evite todas as peças que causem desconforto ou que possam te deixar em uma situação embaraçosa ou de insegurança.
Outro ponto que merece atenção é: leve consigo somente os itens essenciais, e de preferência, em uma mochila ou pochete (para saber quais são esses itens, clique aqui).
Priorize levar pouco peso também. Com o tempo, você irá perceber que carregar um quilo de objetos úteis será como levar consigo dois ou três quilos de quinquilharias. Esteja ciente de que a sua percepção muda com o cansaço!

Estou no set de filmagem. O que fazer?

Chegando no set, é capaz que você encontre a equipe em processo de preparação para a gravação. Nesse momento, costuma-se realizar também um curto café da manhã para todos os participantes. Essa preparação é ideal para você se apresentar e entender a sua função na produção.

Na dúvida, pergunte. Mas não exagere na dose. Apesar de parecer cruel, todo mundo tem um trabalho importante a ser realizado, e o tempo das profissionais é bastante valioso. 
Entenda que o momento da gravação não deve ser utilizado para responder as dúvidas que você provavelmente encontraria as respostas na internet. Porém, é o instante exato para você fazer contatos: o início do famoso networking. Manter essa atitude durante o dia, com cautela, pode inclusive gerar novos trabalhos e oportunidades.

Fazer audiovisual com qualidade requer atenção e tempo

Sobre a melhor forma de aprender todo esse processo: observe o trabalho dos outros no set de filmagem quando não estiver ocupada.
Prestar atenção na execução de um profissional é uma excelente forma de aprender o que deve ser feito. Em caso de dúvida, não se desespere! A prática aliada ao controle emocional fará você executar todas as atividades com maestria e jogo de cintura. Esteja atenta às instruções e pergunte sobre o que não tiver entendido com educação.
A maioria dos profissionais em um set de filmagem é gentil com quem está começando. Seja humilde e educada para aprender com que já tem mais horas de gravação e qualificação do que você.

Voltando à lida: a organização dos seus equipamentos em uma bancada ou em cases também é um fator para torná-la ágil e eficiente. Cuide bem de todos os seus equipamentos e pertences. Mantenha tudo ao seu alcance e em pleno funcionamento.

Dica de ouro: em hipótese alguma, se precisar de um equipamento na outra ponta do estúdio, corra para buscá-lo. Uma locação ou estúdio não é lugar de correria e todos os itens custam caro. Mais vale alguns segundos de espera do que um prejuízo de um dia inteiro.

Fim do dia no set de filmagem: sensação de missão cumprida

Sabe todos os equipamentos que você usou? É fundamental que você ajude a guardar todos eles.
Se você foi designada para uma tarefa no set é vital que você cumpra essa atividade até o fim da desprodução, nessa etapa tudo é desmontado.
Afinal de contas, ficar até o fim do dia pode ser útil para a entender como funciona a desprodução e para ajudar em tarefas banais, porém trabalhosas.

Terminou tudo? Tem cartão de visita no bolso ou na mochila?
Agora é o momento ideal para você entregar para as pessoas com quem teve contato durante todo o dia no set de filmagem.
Não se esqueça de que o cartão deve ter telefone e e-mail atualizados. 
Por fim, não se esqueça de endereçar também o seu reel para visualização.
Como trabalhamos em uma área dominada pelo som e pela imagem, o ideal é que as pessoas possam ver e ouvir o seu trabalho depois.

Gostou dessas dicas? Então não deixe de conferir os outros artigos que a Margô Filmes preparou para você!

Fonte das imagens: Freepik / Macrovector.

O conteúdo O que é um set de filmagem? O que fazer em um set? aparece primeiro em Margô Filmes.

A claquete digital

Já a claquete eletrônica (digital slate ou smart slate) também chamada de claquete digital foi patenteada pelo estadunidense Matthew L. Davies, em 1995.
Ela possui o timecode sincronizado com a câmera e gravadores de som.

Em outras palavras, os registros do timecode da claquete, aqueles números em LED que indicam um código de tempo, batem com os registros de timecode dos equipamentos de áudio e vídeo.
Dessa maneira, com o uso desse tipo de equipamento a batida da claquete tornou-se praticamente desnecessária.

No entanto, como o gesto de bater a claquete não demanda mais recursos ou tempo, a prática ainda é adotada em muitos lugares que utilizam as claquetes digitais.

Mas o que significam aqueles nomes na claquete?

Primeiramente, devemos preencher os campos básicos do equipamento.
Como a claquete deve ser posta e cantada – isto é, lida em voz alta – logo no início do vídeo é essencial que ela contenha todas as informações da cena.
Essas nomenclaturas podem variar de uma para outra. Contudo, significam a mesma coisa.
A seguir, você confere os principais termos:

• Produção: nessa parte, colocamos o nome do material a ser gravado.
• Diretora ou Diretor: escreva o nome da pessoa responsável pela gravação.
• Câmera: nesse ponto, coloque o nome da pessoa que irá operar a câmera.
• Rolo (roll): essa informação era extremamente pertinente quando se gravava em película. Servia para indicar em qual rolo estava a cena filmada. Uma adaptação possível é colocar o número do cartão de memória gravado. Por exemplo: 1CAM.
• Cena (scene): nesse campo, coloque o número da cena que consta no roteiro.
• Take (tomada): aqui, você preenche toda vez que repetir a tomada.
  

Vale lembrar que o ideal é que ela já esteja no segundo inicial da gravação para que a editora consiga identificar os takes com muita facilidade.
Outra dica importante é nunca bater a claquete com força quando formos gravar um plano mais fechado com uma pessoa, já que o barulho pode atrapalhar na concentração da profissional.

Detalhes da cena

Já no canto inferior da claquete, você ainda encontra os seguintes campos para preenchimento:

• Dia (day): Se a gravação aconteceu durante o dia, circule essa opção.
• Noite (night): Se a tomada foi feita a noite, circule essa opção.
• Interna (int): Essa indicação serve para sinalizar que a gravação aconteceu dentro de um ambiente fechado, com paredes.
• Externa (ext): Essa informação demonstra que a gravação aconteceu em um lugar aberto.
• MOS (“motor only sync”, “motor only shot” ou “mit out sound”): Significa que a cena não tem captação de áudio do ambiente. Portanto, nesse caso, não será necessário sincronizar áudio gravado com a fala da personagem. O acrônimo MOS também pode significar “mude on sound”, “muted on screen” e “mic off stage”.
• Sincronizado (Sync): Ao contrário do MOS, a Sync significa que será necessário achar o mesmo ponto no gravador de áudio e no áudio da câmera, para executa-lo ao mesmo tempo.
• Filtro (filter): Indica que a gravação foi realizada do uso de filtro. Esse acessório é necessário, às vezes, para produzir uma imagem mais técnica ou artística.
  
  

Uma observação importante:

Existem vários modos de identificar as tomadas.
O modelo brasileiro é inspirado no europeu e adotado por muitos países da América Latina.
Aqui, cantamos a claquete da seguinte forma: um número para a cena, outro para o plano e um terceiro para a tomada.
Por exemplo, “cena 2, plano 3, tomada 2 (lê-se tomada dois ou segunda)”.
Entretanto, o modelo estadunidense utiliza a lógica de que toda cena pode ser rodada em um único plano (master), que registra a cena em uma posição.
Dessa maneira, quando são feitos outros planos (enquadramentos) de uma mesma cena, o material a ser gravado irá receber uma letra depois do número da cena. Por exemplo, Cena 2A, tomada, 1.

Como usar uma claquete sem comprar uma?

Acredite: a falta de grana para investir em uma claquete não é uma boa desculpa para deixar de organizar o seu material.
A prova disso é que existem bons aplicativos gratuitos no mercado para substituir a placa de acrílico na hora de apertar o REC.
Aqui estão alguns dos mais interessantes na versão Android: Mark, Clapperboard e o Ciak.
Por fim, outra forma de substituir o ruído característico da claquete é o ato de bater uma palma depois de apertar o REC.


Supreendentemente, existem muitas maneiras corretas e baratas de produzir em audiovisual. Acesse a Margô Filmes e confira alguma delas!

Fonte das imagens: Macrovector e Freepik.

O conteúdo Para que serve a claquete? aparece primeiro em Margô Filmes.

Dica 1: Pesquisando sobre o tema para gravar o vídeo de entrevista

O segredo de toda boa entrevista ou processo criativo é o planejamento! Por isso, o processo de pesquisa e documentação das informações é muito importante nesse começo. Crie um roteiro de perguntas por tópicos em ordem lógica e anote no rodapé os dados importantes como datas, valores e medidas.

Dica 2: Confirmando a entrevista

Confirmar a entrevista passa a ideia de que estou insegura? Pelo contrário! Nesses casos, apenas demonstra o seu profissionalismo.

Por isso, ligue no dia anterior para reforçar o horário de chegada, para passar informações detalhadas sobre o acesso à locação e repassar com a entrevistada o assunto geral da conversa. Desse modo, ela irá se sentir segura e motivada a falar sobre o assunto da conversa e as chances de conseguir uma boa entrevista aumentarão surpreendentemente!

Dica 3: Conferindo os equipamentos

Antes de sair, coloque todas as baterias para carregar e, principalmente, faça backup e formate os seus cartões de memória.
Limpe também o corpo da câmera e as objetivas. Dessa forma, você evita que alguma sujidade apareça na tela do seu computador, na ilha de edição.

Não se esqueça de fazer o checklist à medida que for guardando tudo na mochila. (clique aqui para ver o texto que a Margô Filmes preparou sobre checklist). Lembre-se também de levar um documento de autorização de uso de imagem, e se possível, o seu cartão de visitas.

Dica 4: Locação é importante

Vá ao local com antecedência para checar pontos de luz e outros fatores. (clique aqui para ler o texto sobre locação)
No dia, antes de mais nada, esteja atenta ao barulho presente no ambiente e as condições de iluminação do local. Verifique se as janelas estão fechadas e, por meio de testes, descubra qual é o ponto tolerável no ambiente para o ruído externo.
Às vezes, você poderá lidar com um som ambiente muito forte. Se o ruído coincidir com a fala, interrompa educadamente a convidada, explique o acontecido e retome logo depois, quando a situação estiver sob controle.
Sobre a iluminação, valorize a luz natural! Dependendo do horário, posicione a entrevistada de frente para o Sol. Se estiver muito forte, difunda com a cortina ou direcione a luz do sol com o rebatedor. Em suma, trabalhe com os recursos que estiverem ao seu alcance!

Dica 5: Pontos de corte

Fique atento aos momentos em que a pessoa encerrar a fala para emendar a próxima pergunta. Não existe nada pior do que não deixar a entrevistada concluir a sua linha de raciocínio. Lembre-se que, apesar do nervosismo, você deve agir sempre com respeito.
Por fim, para ajudar na edição, peça para alguém bater a claquete, a fim de identificar o material gravado na ilha, e para ir anotando as entradas e saídas das falas.

Dica extra: antes de começar a conversa de fato, peça para a pessoa entrevistada bater uma palma e, em seguida, para falar o nome completo para a câmera.
Recomenda-se que a entonação seja devagar para ajudar na anotação durante o processo de edição.

Se possível, peça para a entrevistada soletrar nas partes que normalmente geram confusão na hora de verificar a informação. Como exemplo, podemos citar uma consoante dobrada, bem como um nome escrito com h ou até mesmo um acento.

Gostou das dicas? Não deixe de compartilhar esse artigo nas suas redes sociais e contar para a gente o que você achou!

Fonte da imagens: Alekksall e Freepik.

O conteúdo Cinco dicas para gravar um bom vídeo de entrevista aparece primeiro em Margô Filmes.

Reza a lenda de que esta alcunha foi dada aos pregadores em função do avião de guerra Douglas C-47, apontado como um dos fatores para a vitória dos Aliados na Segunda Guerra. 
O uso da sigla veio da dificuldade em aprovar a compra de um item banal (porém mega importante) como este em grandes produções, ficando mais fácil, portanto, mascarar o objeto com outra nomenclatura.

C-47: para que serve?

Para quase tudo no set! Este curinga serve tanto para segurar os filtros nos barndoors quanto para fazer “pence” provisória em uma roupa. Além disso, é um item interessante para organização de cabos mais finos. Ou seja, suas aplicações na produção são diversas.
Agora que você já sabe sobre o C-47 não deixe de incluí-lo em sua lista de equipamentos/acessórios, ok?

Dúvidas e sugestões de conteúdo, entre em contato com a Margô Filmes. Até a próxima!

Fonte das imagens: Photoroyalty / Freepik.

O conteúdo C-47: por que você precisa dele no seu filme? aparece primeiro em Margô Filmes.