Primeiro passo da iluminação de 3 pontos: a luz principal

Em primeiro lugar, a primeira etapa e a parte mais importante da iluminação de 3 pontos é a sua luz principal, também chamada de Key Light.
A ideia da luz principal é revelar as características de uma personagem ou de várias pessoas em uma cena.

Para fazer uma boa luz principal na iluminação de 3 pontos é necessário que você posicione a sua luz em um ângulo de mais ou menos 30 graus.
Ela também precisa ficar bem acima da linha dos olhos e em direção ao rosto, que é o principal ponto de identificação de uma personagem.

Se for possível, controle a intensidade de luz do seu equipamento. Dessa forma, você vai ter uma boa profundidade e contraste, além de conseguir um resultado super natural.
Se não for possível controlar a intensidade da luz, tente mover o equipamento para frente ou para trás, mas se lembre de que quanto mais distante, menos luz você terá.
Como recomendação, sugerimos uma softbox ou um painel de LED para a função de luz principal.

Segundo passo: a luz de preenchimento

A luz de preenchimento é uma luz secundária para reduzir o contraste. Somente com a luz principal, o contraste da sua cena seria muito forte e precisaria ser atenuado para ficar mais bonito.
Para isso, coloque a luz de preenchimento (Fill Light) do outro lado da personagem, em um ângulo de 30 a 45 graus.
Para a luz de preenchimento também recomendamos a softbox, mas fique atenta, pois ela precisa ser menos intensa do que a luz principal.

Terceiro passo da iluminação de 3 pontos: a luz de contorno (borda ou contraluz)

A luz de contorno ou de borda (Rim Light) normalmente é posicionada próxima ao chão, apontada para cima, a 45 grau.
Na iluminação de 3 pontos, a função dessa luz é separar e delimitar a personagem ou objeto do fundo da cena, dando a ideia de tridimensionalidade.

Agora que você já sabe como fazer a iluminação de 3 pontos, a dica é treinar sempre que possível para aperfeiçoar a sua técnica.
Se você gostou desse texto super rápido e didático, pode curtir também os artigos aqui embaixo.
Boas gravações!

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Os pratical lights mais comuns costumam ser velas, pisca-piscas, abajures, placas de neon, lustres, televisores e até mesmo letreiros de cinema.

Apesar de bastante comum, nem sempre registrar um practical light é uma tarefa fácil.
Em alguns casos, são necessárias adaptações e inovações na indústria cinematográfica para que esse tipo de luz possa ser gravado com qualidade.

Practical Light: o conceito aplicado

Filmes e séries com grandes orçamentos gostam muito do recurso porque ele transmite um ar de mistério agradável.
Se você quer reforçar a carga emocional e mental das personagens retratadas, usar um practical light pode ser uma boa opção.

Abaixo, você confere quatro produções que se destacaram no uso do recurso:

• Os Bons Companheiros
  
• Dark
  
• Barry Lyndon
  
• Stranger Things

O filme Barry Lyndon (1975), inclusive, merece nossa consideração.
Para fazer esse filme, Stanley Kubrick filmou à luz de velas para registrar com a iluminação da época.

Para conseguir esse grande feito, o diretor juntamente com o diretor de fotografia, John Alcott, utilizou velas e as famosas objetivas Carl Zeiss Planar 50mm f/0.7.
Esse equipamento inclusive foi desenvolvido pela NASA para registrar as imagens da missão Apollo.
No campo do cinema, o resultado dessa experiência rendeu prêmios aos diretores e também uma admiração profunda por inovarem a arte do cinema.

Se você gostou desta dica, não deixe de conferir os artigos abaixo.

Imagens: Macrovector

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O que é a noite americana?

 A noite americana (também conhecida como day for night) é um efeito recorrente há décadas nos estúdios mais famosos do mundo inteiro, inclusive Hollywood, e pode ser adaptado para as pequenas produções audiovisuais com certa facilidade e com economia de recursos.
Isso porque a noite americana nada mais é do que uma técnica de gravação de cenas à luz do dia dando a impressão nas telas de que aquele momento narrado se passa à noite. Para entender esse uso, você pode assistir produções como “Mad Max, Estrada da Fúria” (2015) e “O náufrago” (2000), pois ambos utilizam esse efeito.

Se você é uma produtora, pense nessa estratégia para justificar a economia de equipamentos, como refletores, por exemplo e em uma forma de evitar deslocamentos à noite para gravar – o que pode ser mais seguro e confortável para toda a equipe.

Como fazer essa técnica de iluminação funcionar?

Para conseguir uma noite americana crível, existem alguns ajustes necessários. Abaixo, listamos os mais importantes para te ajudar a produzir esse efeito com maestria. Confira!

Em primeiro lugar, você deve ajustar o balanço de branco da sua câmera (você pode conferir o texto que fizemos sobre esse assunto, acessando esse link) para a configuração de luz incandescente/tungstênio. Ao realizar esse feito, as imagens terão um tom azulado. Se preferir fazer o ajuste manual, “bata o branco” em um cartão amarelo ou use um filtro azul, todos essas opções serão possíveis para alcançar o resultado desejado.

Vale lembrar também que ao iluminar o elenco, o ideal é que a luz venha de lado, criando sombras nas pesssoas. O melhor horário para fazer esse registro é no início do dia e no fim da tarde, a chamada Golden Hour ou Hora Dourada/Mágica, quando a luz é mais fácil de trabalhar com a qualidade pretendida.

Por fim, lembre-se de subexpor um pouco a imagem ou utilizar um filtro ND para tal – a vantagem nessa utilização é que você pode desfocar o fundo e esconder elementos visuais com a profundidade de campo. Apesar de construirmos a Noite Americana com a câmera, o ideal é tratar também essa imagem na edição – garantimos que faz toda a diferença. Um bom tutorial para seguir é esse daqui:

O que devo evitar para fazer bem essa técnica de iluminação?

Para a cena ficar convicente e parecida com uma gravação noturna, o interessante é existir contrastes/sombras controladas. Por isso, evite gravar em áreas totalmente cobertas. Nesse aspecto, também evite mostrar o Sol e o céu nas cenas. Mas se a ideia for mostrar o céu, utilize um polarizador para esconder ao máximo a luminosidade.

Dica da especialista: Um bom truque para a noite americana é utilizar no quadro a luz gerada por uma lâmpada incandescente através de uma janela, pois após o balanço de branco, essa luz irá ser registrada como branca, enquanto o restante do cenário será banhado por uma luz azul.

Checklist para noite americana

Resumindo, vamos relembrar o passo a passo para utilizar essa técnica de iluminação:

1. O que você deve fazer
   Ajustar o balanço de branco para incandescente;
   A iluminação do elenco deve ser lateral;
   Gravar durante a Golden Hour:
   Subexponha a imagem ou use um Filtro ND para obter esse efeito.
   
2. O que você deve evitar
   Mostrar o Sol e o céu.

Imagens: Freepik

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Nesse artigo da Margô Filmes, , vamos falar de conceitos como fluxo luminoso, intensidade luminosa, iluminância e luminância. Isso porque quando queremos iluminar uma cena, devemos sempre nos lembrar da importância de conjugarmos o conhecimento prático ao teórico. Daí, a necessidade de sempre sabermos cada vez mais sobre o comportamento da luz, as melhores lâmpadas e as grandezas relacionadas a esse universo.

Primeiro conceito de iluminação: fluxo luminoso

Em primeiro lugar, o chamado de fluxo luminoso é a emissão total de radiação, também chamada de luz. Essa radiação provém de uma fonte luminosa, que se situa no chamado espectro visível, compreendido entre a faixa de 380 nm a 780 nm. Para identificar facilmente essa grandeza, basta verificar nas embalagens a seguinte palavra: lúmen (lm).

É preciso lembrar que muitas pessoas costumam comprar uma lâmpada achando que potência é luz irradiada. Dessa forma, elas acreditam que iluminarão melhor o ambiente se mais watts forem gastos.
Mas, na verdade, essa ideia não é correta e pode te decepcionar. O que influi nessa percepção é o fluxo luminoso, pois é ele que se aplica ao estímulo visual, e não a quantidade de energia gasta para realizar esse trabalho (expressa em Watts).

Entendendo o que é a  intensidade luminosa

Como as lâmpadas não irradiam a luz de maneira uniforme para todas as direções, utilizamos o conceito de intensidade luminosa para designar o fluxo luminoso irradiado em determinado ponto. Essa grandeza é medida em candela (cd) e com base nessas informações, podemos notar uma situação curiosa. 
Você sabia que uma fonte de luz pode emitir o mesmo fluxo luminoso (apresentar a mesma quantidade em lúmens) e produzir diferentes intensidades luminosas (em candelas)?
Isso se explica pela capacidade de cada fonte em concentrar a luz.
Na prática, podemos demonstrar esta ideia colocando uma lente na frente de um emissor de luz para fazê-la convergir em um ponto. Logo, vamos observar que a intensidade luminosa vai aumentar, mas o fluxo luminoso total não será alterado. O fotômetro e o luxímetro são os aparelhos que medem esta grandeza, bem como também calculam o próximo item.

O que significa a iluminância?

Em terceiro lugar, figura esse conceito chamado de iluminamento ou aclaramento.
A iluminância é utilizada quando desejamos calcular a quantidade de luz incidente em uma superfície a determinada distância. A unidade de medida adotada é o lux. (Se você deseja mais informações sobre iluminação, acesse aqui)

Como a luminância pode ser entendida?

O último conceito apresentado é o da luminância. Diferente do item anterior, esse representa a passagem ou reflexão da luz em uma superfície em determinado ângulo.
Ela também é responsável pela sensação de claridade que chega aos nossos olhos, ou seja, pelo contraste. Em um passado não tão distante, esse aspecto era chamado de brilhância, pois estava associada a falsa sensação de brilho. Por ser uma característica subjetiva, essa ideia não se aplica a “objetividade” da luminância.

Por fim, é importante ressaltar que a reflexão da luz é diferente em cada objeto mesmo que o valor da iluminância seja o mesmo. A unidade utilizada pelo SI para luminância é candela/metro quadrado (cd/m2). Essa grandeza pode ser quantificada por um colorímetro.

Conteúdo relacionado

Confira este vídeo imperdível.

Abaixo, separamos dois textos que podem te ajudar a entender mais sobre iluminação.
Para acessá-los, é só clicar no título do artigo.

• Cinco dicas de iluminação para iniciantes
  Aprenda a evitar erros com esse artigo da Margô.
• Como escolher o rebatedor certo?
  Você sabe para que serve esse acessório de extrema importância em uma externa?

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1ª regra da iluminação para iniciante: Não toque nas lâmpadas sem proteção

Esta dica é super útil para conservar as lâmpadas. Mas você já parou para pensar por que não devemos tocar nas lâmpadas sem proteção? Por dois motivos bem simples.
O primeiro é que a sujeira e suor dos dedos podem aderir ao bulbo e provocar um superaquecimento do vidro. Daí, além de queimar o equipamento por descuido, você também pode atrasar toda gravação. Um super prejuízo, não é mesmo?
O segundo motivo é que você pode acabar se machucando ao tocar em lâmpadas que acabaram de ser usadas.
Então, a recomendação é sempre manusear com um pedaço de pano ou flanela umedecida com álcool isopropílico e aguardar cerca de 30 minutos para a secagem.
Ao fazer isso, você garante que tudo aconteça da melhor forma possível e com muita segurança dentro do set de gravação.

Dica 2 de iluminação para iniciantes: Aproveite a hora mágica

Você já percebeu uma hora antes do amanhecer e do pôr do sol temos uma boa iluminação para a produção de imagens?
Neste instante, os raios solares estão mais perto do horizonte e têm uma cor mais amarelada do que o normal.
Na fotografia, este acontecimento recebe o nome de Golden Hour ou Hora Dourada.
Na internet, existem algumas calculadoras para saber o momento aproximado deste feito. Para acessar a calculadora da Hora Dourada, acesse aqui.

Ponto importante: Em dias nublados ou chuvosos, não conte com a Hora Dourada.
Nesses momentos, o sol fica encoberto pelas nuvens e o efeito não acontece.

Dica 3 de iluminação para iniciantes: Segurança em primeiro lugar

Segurança é um item indispensável em um set de gravações e pessoas mais experientes no cinema sabem disso.
Então, se você vai pendurar um equipamento de iluminação em algum lugar, sempre use cabos de aço como reforço. Eles servem para dois propósitos: evitar que algum equipamento se quebre ou que, no pior dos casos, alguém se machuque com esta queda.
Quando falamos de iluminação, devemos sempre nos lembrar que a segurança é um requisito fundamental e inegociável.

Dica 4: Organize suas gelatinas

Vai começar a trabalhar?
Tire um tempo para separar e organizar as gelatinas ou celofanes.
Às vezes, esta organização acontece por cor ou por cena, dependendo do trabalho.
O importante é ter tudo ao alcance e de preferência em uma pasta sanfonada com a identificação das gelatinas. Sabe aquela vontade de esparramar as gelatinas? Não faça isso.
Desorganização não combina com o ambiente de gravações e é super mal visto por profissionais mais experientes.

Dica 5: Catchlight nem sempre é bom

Apesar de querido por digitais influencers e produtores de conteúdo em geral, o reflexo de uma fonte de luz no olho de uma pessoa pode gerar um incômodo na maioria das vezes. Sobretudo nos filmes e vídeos em que a intenção é esconder a estrutura organizada para a gravação. Então esteja atenta aos reflexos em óculos, espelhos e vidros e mude a posição da luz se essa ação for necessária. Pequenos detalhes como este fazem toda a diferença.

Gostou do conteúdo? Então deixe um comentário para a gente aqui embaixo.
A Margô Filmes agradece a sua visita e te deseja sucesso na sua produção audiovisual.

Fonte das imagens: Macrovector / Freepik.

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O rebatedor, com a sua versatilidade incrível, é um acessório que pode ser adquirido desde a sua versão caseira, super simples, até os modelos mais profissionais, custando algumas centenas de reais.
De todas as formas, a função de um rebatedor sempre será a mesma: rebater (refletir) ou difundir a luz, isto é, redirecionar as luzes ou posicioná-las em um ponto desejado, preenchendo as sombras dos objetos ou das personagens.

Os rebatedores existem nos mais variados tipos: podem ser folhas brancas tamanho A2, placas de isopor, foam board ou lençóis brancos.
Apesar de caseiros, esses rebatedores são excelentes para produções que não necessitam de equipamentos específicos e que precisam contar com uma boa dose de improviso.
Agora, se você pretende comprar um rebatedor mais profissional, existem alguns pontos que você deve saber antes de escolher o ideal para você.
Entre os mais importantes, está a utilização de cada cor para uma finalidade.

Escolhendo o melhor rebatedor possível

Como você já sabe, cada matiz de rebatedor possui uma função.
Um rebatedor pode ser branco, dourado, prateado ou apresentar combinações como prateado e dourado ou branco e prateado, por exemplo.
Em termos gerais, nós temos os seguintes usos:

Branco: Indicado para uma situação em que você deseja uma luz refletida mais suave e branda.

Dourado: Utilizado para dar a impressão de que a luz é similar à qualidade de uma golden hour ou para criar um contorno, também chamado de aura, em torno do assunto da imagem.

Prateado: Esse tipo projeta uma luz dura cujo efeito é o de espelhamento.
Usando um rebatedor prateado, você vai ter muito mais contraste do que se usasse um rebatedor branco, por exemplo.
Outro ponto importante é que a cor prateada nos causa a impressão de que criamos uma imagem em tons azulados.

Outras considerações sobre rebatedores

Apesar de pensarmos sempre em cores, a escolha de um rebatedor vai muito além disso.
Existem outras razões que contribuem para a escolha de um ou outro, ou de todos os tipos de rebatedores possíveis.
Nesse caso, você deve ter em mente que o tamanho e o formato também fazem toda a diferença.

O pensamento é simples: se o tamanho da fonte de luz diminui, a relação de luz e sombra aumenta.
Por isso, quanto maior o rebatedor, maior a área para rebater a luz.
Esse ensinamento serve, principalmente, para as suas gravações e fotografias em externas.
Dependendo da hora, sair com um rebatedor pequeno pode ser frustrante e um peso desnecessário.
Afinal de contas, se você precisa de uma imagem uniforme de corpo inteiro, para quê usar um rebatedor que só resolve o problema do rosto?

Formato e “usos especiais”

Anteriormente, dizemos que o formato do equipamento também conta.
Isso porque existem versões de rebatedores que vão do circular, passando pelo triangular até chegar no famoso tipo retangular.
A questão é pensar no tipo de fonte de luz existente e no estilo de fotografia/vídeo que você deseja fazer, ou já faz, para saber qual é a melhor escolha para o seu caso.

Por fim, existe um último aspecto ao qual você deve atentar.
Na sua produção audiovisual, você vai precisar de um rebatedor simples, de um 3 em 1, de um de 5 em 1 (com difusor e preto) ou de um de 7 em 1 (com adição de azul e verde para Chroma Key)?
Talvez, a escolha de um kit mais versátil seja mais proveitosa para você do que apenas ter um rebatedor branco.
A questão é entender a sua demanda mais frequente. 

Nunca se esqueça de que, ao optar por qualquer um desses, você deve carregá-los em cases, preferencialmente, no intuito de não causar riscos ou danos ao acessório.
A recomendação mais interessante é de que você também trabalhe com a ajuda de uma assistente.
Dessa forma, vocês poderão prestar atenção em detalhes e somar as competências no resultado final do produto. 
Isso tudo sem contar que a ideia de posicionar um tripé pesado com um rebatedor a cada novo lugar, ir alterando conforme a situação e vigiá-lo para não cair pode ser bem desgastante no meio de uma gravação ou ensaio.
Se puder ter alguém que faça isso para você, é muito melhor!

E qual é a utilidade do difusor?

Incluso em alguns tipos de rebatedores, o difusor tem por princípio tornar uma luz dura – que provoca sombras acentuadas, de alto contraste, em uma luz difusa, também conhecida como luz suave.
Em outras palavras, o objetivo é aumentar a área de atuação dos feixes, suavizando a luminosidade da mesma forma que ocorre com a luz do sol em dias de muitas nuvens.
Um dos difusores mais corriqueiros que utilizamos é a cúpula de abajur. No entanto, no caso dos estúdios, o uso da sombrinha é quase uma regra.
A escolha sempre será sua!

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Fonte das imagens: Freepik.

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O Balanço de Branco (WB) é um processo eletrônico de ajuste de cores não-reais de uma imagem.
Ele serve para que as imagens sejam entendidas como “reais” aos espectadores.

Entendendo o Balanço de Branco

Em primeiro lugar, Balanço de Branco, White Balance ou WB são três nomes diferentes para a mesma coisa.
Para fazer um Balanço de Branco corretamente você deve levar em consideração a “temperatura de cor” de uma fonte de luz.
Isso é, o quão ‘quente’ ou ‘fria’ em termos de temperatura de cor é essa fonte. Se você não sabe o que é Temperatura de Cor, vamos explicar logo abaixo.

Por agora, o que você precisa saber é que se fizer um Balanço de Branco incorreto, nosso resultado pode gerar imagens ‘lavadas’ com azul, laranja ou verde.
Às vezes, é possível contornar na ilha de edição, mas em casos mais extremos, o recurso final é disfarçar com um look preto e branco.
Por essa razão, nunca deixe de fazer o Balanço de Branco ou o resultado final pode causar estranhamento nos vídeos ou fotografias.

Para fazer o ajuste de branco na fotografia analógica é preciso utilizar filtros ou filmes específicos para diferentes condições de luz.
Com o digital, usar filtros para fazer o Balanço de Branco é desnecessário na maioria das vezes.
Basta verificar se a sua câmera tem esse recurso nas configurações e definir as condições de luz específicas do ambiente.
Se você é iniciante, a fica é fazer vários testes até achar o Balanço de Branco correto.
Agora, se você prefere uma “colinha” é só observar a tabela abaixo.

Algumas pessoas preferem deixar o Balanço de Branco digital no automático (AWB), mas isto é pouco recomendado por ser passível de muitos ruídos e distorções cromáticas.
A dica de ouro aqui é fotografar em horários e lugares diferentes para entender melhor as diferentes Temperaturas de Cor e os Balanços de Branco nescessários para fixar estes conceitos na prática.

Explicando o fenômeno da Temperatura de Cor para entender o Balanço de Branco

Você já reparou que quase sempre associamos o vermelho ao quente e o azul ao frio?
Fundamentada no senso comum, essa percepção é útil na maioria das vezes em que precisamos escolher essas cores para a composição de um trabalho.
Contudo, quando falamos de luz, e mais especificamente de Temperatura de Cor Correlata, ou TCC, descobrimos que este pensamento pode nos induzir ao erro.
Surpreendentemente, em termos de TCC, a cor vermelha é lida como fria ao passo que o azul é interpretado como quente.

A constatação da TCC foi percebida ainda no século XIX, quando o físico britânico William Thomson, mais conhecido como Lord Kelvin.
Ele realizou um experimento para apontar duas coisas.
Primeiro,  o momento em que um corpo começa a irradiar luz visível.
O segundo ponto era o desvio de luz branca.

Para fazer essas observações, ele aqueceu um bloco de carbono, que fazia parte de um sistema, até que esse bloco atingisse o seu ponto de fusão.
Daí, veio a ideia do que seria a Temperatura de Cor Correlata.

Explicando melhor, este objeto passou a se chamar corpo negro, pois observou-se que, quando aquecido a determinada temperatura, ele começava a emitir radiação/luz sem sofrer alteração em sua composição.
O físico constatou que à medida que a temperatura e a emissão de mais energia aumentavam, ocorria a produção de luz em vários comprimentos de ondas visíveis.
Vale ressaltar que esses feixes vão desde o infravermelho ao ultravioleta, ambos situados nos extremos da escala e  invisíveis aos nossos olhos.

O experimento de Kelvin também constatou que quanto mais alta a temperatura de cor correlata, mais clara é a tonalidade de cor da luz.
Como não lidamos diretamente com sistemas compostos por blocos de carbono, temos outros modos de aplicar esse conhecimento: a produção de imagem em ambientes de luz controlada (em estúdio) ou natural (no sol).

Se você gostou deste artigo sobre Balanço de Branco, não deixe de conferir também o nosso texto sobre rebatedores de luz.

Imagens: Freepik.

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Na prática, se você já passou pela situação de comprar alguma coisa dentro de uma loja e percebeu que a “cor mudou” fora dela, com certeza sabe do que se trata o IRC: a fidelidade na representação de uma cor ou de várias cores.

Índice de Reprodução de Cor e Temperatura de Cor são a mesma coisa?

Temperatura de Cor e o Índice de Reprodução de Cor não são a mesma coisa. 
Enquanto a primeira escala se refere à cor da luz emitida, a segunda grandeza estabelece a reprodução da cor nos objetos. Assim, podemos encontrar muitos valores diferentes de IRC em lâmpadas de uma mesma Temperatura de Cor.

Entendendo a escala

As fontes luminosas que apresentam o melhor Índice de Reprodução de Cor são aquelas que ultrapassam a marca dos 80 em uma escala que vai de 0 a 100.
Tendo o Sol como referência, as lâmpadas halógenas e as lâmpadas incandescentes são as campeãs do ranking.

O posto mais baixo do pódio de IRC em nosso cotidiano pertence às lâmpadas que são utilizadas na iluminação pública.
Este tipo de fonte luminosa apresenta valores próximos a 20, o que significa uma baixa fidelidade na reprodução da cor.

Se você deseja fotografar diversos assuntos, fique atenta ao IRC para não obter resultados inesperados.
Em grande parte dos casos, utilizar lâmpadas com um bom Índice de Reprodução de Cor pode ser o diferencial que você almeja para as suas imagens.

Gostou do texto? Então não deixe de conferir também o nosso artigo sobre rebatedores.
Este conteúdo é um dos mais lidos pelas pessoas que visitam o nosso site.
Aproveitando a oportunidade, você também pode gostar do nosso artigo sobre Balanço de Branco e Temperatura de cor.

Imagens: Freepik

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